"Come Around Sundown", de Kings Of Leon

Luego del exitoso "Only by the night" (2008), que vendió más de 6 millones de placas, y en esta época es mucho mérito, Kings of Leon acaba de editar su quinto disco "Come Around Sundown".
En este, la familia Followill (los hermanos Anthony "Caleb", Ivan "Nathan", Michael "Jared" y el primo Cameron "Matthew") sigue en la misma línea musical, mezcla de country y rock alternativo, con esa cadencia melancólica que los caracteriza (basta escuchar "The end" para confirmarlo).
En un disco prolijo pero sin grandes sorpresas, y que carece de un mega hit como "Use somebody", se destacan la hermosa "Mary" con reminiscencias a los años 50 (la voz de Caleb le calza justo a aquella época) y un gran solo de guitarra; y la rockera "No money", que junto a "Beach side", deberían formar parte de la banda sonora de cualquier road movie que se venga.
Si bien "Come Around Sundown" no tiene la frescura de los discos anteriores, muestra a los Kings of Leon como una banda consolidada, con un sonido cada vez más personal, que los convierte en una de las propuestas más interesantes de la década 00.

"La quinta armonía", de Andando Descalzo

“La quinta armonía” es el nuevo (quinto, claro) disco de Andando Descalzo. En este, la banda sigue en su recorrido por diferentes estilos que incluye (con el rock como guía) reggae, ska, cumbia, cuarteto y alguna que otra balada, todo impregnado con el sonido Descalzo. Pero ya con 15 años de carrera, Andando demuestra que puede meterse en cualquiera de estos estilos, manejarlos a su gusto, y, sobre todo, hacerlo con buenas canciones. Basta escuchar “La Pipa”, un rock canción, pasar por el reggae “Naufrago”, con el teclado bien al frente, y terminar en “Cachivache“, un cuarteto eléctrico con la participación de Héctor "Limón" García (ex Bersuit Vergarabat, actual Vía Varela), para darse cuenta del poder camaleónico de la banda. Encima, el disco cuenta con la participación de Palo Pandolfo (Los Visitantes, Don Cornelio y La Zona), otro gran experimentador, y con el que Juani Rodríguez comparte ciertas similitudes interpretativas, que pone su voz en “Cuando llueve", y la producción estuvo a cargo de Matías “Chávez” Méndez, que de bucear en diferentes ritmos hizo carrera. Y, aunque a priori no parezca, todo queda en armonía.

El disco se puede bajar de los siguientes links (subido por la banda):

BPR: http://www.benditasproducciones.com/ftp/laquintaarmonia_mp3_320kb.zip

"Por lo menos hoy", de No Te Va Gustar

No Te Va Gustar (NTVG) acaba de sacar “Por lo menos hoy”, su sexto disco de estudio. En el mismo, la banda uruguaya se aleja cada vez más de sus inicios reggaeros/candomberos, para consolidarse en un sonido más rockero, algo que ya se podía vislumbrar en su placa anterior, “El camino más largo”.

Durante 12 temas (esta vez no llegaron a su clásico track 13 silencioso), NTVG navega por el rock en diferentes estados: en un formato cancionero en “Ángel con campera” y “Arde”; un rock-fusión en la hermosa (y triste) “Chau”; más fogonero en “Memorias del olvido” y “Nunca más a mi lado”, la única letra del disco que no es de Emiliano Brancciari, pero que sin duda está a su nivel; y más poderoso en “Tu defecto es el mío”, “Los indiferentes” y, el corte, “Cero a la izquierda”, tres de los mejores temas del disco. Y si hablamos de letras, Brancciari se convirtió, sin dudas, en un referente, con una sensibilidad magnífica a la hora de escribir y una gran capacidad para transmitir imágenes y sensaciones, que, claro, vuelve a demostrar en cada canción de “Por lo menos hoy”.

Y para conformar a los nostálgicos está “Volar”, un reggae puro con la aparición del productor del disco Juanchi Baleirón en voz y guitarra. Además, el disco cuenta entre los invitados con Luciano Supervielle (Bajofondo) con el scratch en “Chau” y “Con el viento”, el “Chango” Spasiuk aporta el acordeón en “Nunca más a mi lado”, Fabián Krut (Cursi) con su voz en “Con la misma vara”, y una horda para el coro góspel en “El Equilibrista”.

Backstage de la filmación del video de "Cero a la izquierda":

El experimento

“Das Experiment” (2001) es una película alemana basada en el Experimento de la cárcel de Stanford, en el que un grupo de 24 voluntarios participó de una simulación de una cárcel para analizar cuáles eran los efectos psicológicos de convertirse en un preso o en un carcelero. Tras algunas pruebas físicas y psíquicas, los participantes fueron divididos mitad para cada rol (en la película los voluntarios son 20 y se dividen 12 como reclusos y 8 como guardias), y se les pidió que ambos cumplan a conciencia con su papel: los presos perderían sus libertades y los carceleros debían mantener el orden, sin utilizar violencia física. Sin embargo el experimento tuvo que ser cancelado a los seis días (estaba pensado que dure dos semanas) por los efectos generados en ambos bandos.

La película toma este experimento, y exagerando algunas situaciones con respecto al original, muestra el proceso del mismo, y los resultados a los que se llegó cuando cada uno asumió realmente su rol.

Promediando la historia, la idea de que es una simulación queda eliminada. Los carceleros no solo cumplen su rol, sino que ya se sienten uno y ejercen su poder como tales castigando (por momentos con violencia física a pesar de las prohibiciones) y humillando a los presos, y de la misma manera, la sumisión de los prisioneros va creciendo a medida que van recibiendo los diferentes castigos (flexiones individuales y grupales, la quita de la cama y la ropa, la amenaza de ser encerrados en la celda de aislamiento, entre otras). Y es ahí donde reside la fuerza de la historia: en la transformación de las personalidades, tanto de los presos cómo de los carceleros, debido a las relaciones de poder; en que muestra qué está dispuesto a hacer el ser humano cuando se le da poder y se lo avala institucionalmente (varios con puestos jerárquicos harían bien en verla), y como esto, muchas veces, lleva a situaciones extremas solo por una lucha de egos. Una interesante película para ver, que transmite plenamente el clima y las sensaciones que se vivieron en ese experimento. La duda que queda es: ¿es esa la naturaleza humana?

El regalo de Calamaro por los diez años de “El Salmón” (o algo así)

Con motivo de los diez años de “El Salmón”, y de los 49 propios, Andrés Calamaro regaló a través de la web www.camisetasparatodos.com (en realidad se lo regaló a su socio deepcamboyano Marcelo “Cuino” Scornik que lo cedió a la página) un disco con 18 temas ineditóxicos de aquellas épocas verborrágicas/lisérgicas/experimentales.

En el disco aparecen una serie de homenajes (o algo así) como una versión salvaje de “11 y 6”, (“y en el baño de un bar sellaron todo con un saque”), más cercana a su segunda parte, “El Chico de la tapa”, una mini “Before they make me run” de The Rolling Stones, “It's all too much” de The Beatles junto a “Obladi oblada” hecha cha cha cha, la Triple versión de “Sporting life” de Eric Clapton , y “Plegaria para un niño dormido” de Almendra, quizás la más rescatable de estas. Por otro lado, la época camboyana más oscura queda plasmada en las canciones (o algo así) “Demolition Time”, “Duelo de gañanes”, “El Blues de Don José”, “El Gran Cachafaz”, “Iggy Pop”, “Moquete moqueador” y “No time for loosers”, en las que se mezclan frases, sonidos, riffs, distorsiones y demás, por momentos de forma nociva para el oyente.

Pero las cinco canciones que completan el disco son bien salmónicas, y en estas Calamaro regala un poco de su genialidad (o algo así): “Devuélvanme mi nariz”, una crisis matrimonio/personal; “La Sabol (poder dormir)”, la más interesante del disco; la cumbia “Los Animales” con el lenguaje Calamariano en su plenitud; “Patrón de mil mates”, un rock pesado junto a su socio Scornik; y “Subversivo”, otro rock contestatario adornado con sonidos futuristas.

En “El Salmón”, y la época posterior “Radio Vaticano” con sus ¿cientos? ¿miles? de ineditóxicas, Calamaro mostró en su totalidad la libertad del músico-creador, y, sobre todo, su capacidad creativa/creadora. Hoy, diez años después, esa etapa sigue dando sus frutos (o algo así).

Para descargar el disco, click aquí

La Vela Puerca presentó Normalmente anormal

La Vela Puerca volvió al Microestadio Malvinas como cierre de la gira de presentación de su primer DVD “Normalmente anormal”. En la previa proyectaron completo el documental incluido en el DVD y ante la última frase del mismo “no sé si es la mejor, pero es nuestra manera. Normalmente anormal”, la pantalla cayó y arrancó el show con “Escobas”.

El comienzo a puro vértigo mostró su faceta más ska/punk/contestataria: a “Escobas” le siguieron “Mañana”, “El Ojo Moro”, “De Atar” y “Por dentro” casi sin parar, para bajar un poco con los reggae “El Bandido Saltodemata” y “Burbujas”, y volver a levantar con las canciones más rockeros de su discografía (“El señor”, “Doble Filo”, “Clones”, “Colabore”, “La sin razón”)

Promediando el show bajaron los decibeles para mostrar los nuevos temas. Así pasaron en un formato casi acústico, como están grabados en el DVD, “Respira”, “En Vela”, “Caridad”, “Razón de ser” junto a la hermosa “Para no verme más” de “El Impulso”.

Pero lo mejor todavía estaba por venir: Una emotiva versión de “Va a escampar”, “Vuelan palos” con el Enano acompañado por un bandoneón, el himno canábico por excelencia, “Mi Semilla”, junto a Alejandro Balbis, y “José sabía” y “Zafar”, dos de las gemas de la banda.

Para el cierre, La Vela volvió con toda su potencia y metió un hat-trick letal: “Por la ciudad”, “El Viejo” con la participación de “Wilson” (una pelota que le regalaron comparando su look con el de Tom Hanks en El Naufrago), y “Llenos de magia” para revalidar su gran momento y su gran relación con el público argentino.

“La caravana mágica” de Cordera

“La caravana mágica” es el segundo disco de Gustavo Cordera como solista. En este, el Pelado vuelve al sonido bersuitero de los últimos años, y lo mezcla con la tranquilidad de “Cordera suelto”, sobre todo en las letras que siguen el sendero introspectivo, y su nueva existencia despojada y natural (se escribe hippie, se pronuncia jipi)

Con la cumbia como ritmo guía, Cordera le canta a la vejez, en realidad a la no-vejez, junto a Palito Ortega en “No es que sea viejo”, arma el “bailongo” en el corte “La bomba loca”, y regala su mejor autocrítica en “Asalto de cumbia” (“soy cantor de profesión y si no te das cuenta también soy un ladrón”)

Pero los puntos altos del disco aparecen cuando el Pelado se aleja de su lado fiestero, y vuelve al intimismo y la reflexión de su primera placa solista, como en “Estoy Real” (“Encontrarme un alma me puede curar, con lo que más quiero tendré que pagar, el dejarlo todo será bendición, perder lo que tengo, ganar corazón, no sé si estoy bien, estoy mal, estoy real”), homenajea a su amigo Hugo (el de “La Bolsa”) en “Huguito”, refleja su nueva etapa en “Se Cae” (“así aprendí una cosa que el tiempo me enseñó, que todo lo que se tiene no tiene ningún valor, se cae el capitalismo, no supo lo que es amor, para amar hay que saber lo que el otro necesitó”), o los cambios y transformaciones que llevaron a esta nueva etapa (“yo sé que puede parecerse a una traición pero así de solitario es el camino del alma”) en “La Retirada”, una de las grandes canciones del disco.

Con la producción de El Chávez, ex baterista de Árbol, “La caravana mágica” no mantiene el muy buen nivel del disco debut pero muestra algunos momentos interesantes que, al menos, vale la pena escuchar.

Kick Ass

“¿Por qué nadie a tratado de ser un superhéroe?”. Con esa pregunta arranca Kick Ass, la película basada en el cómic homónimo escrito por Mark Millar y dibujado por John Romita Jr.

En la misma se cuenta la historia de Dave Lizewski (Aaron Johnson), un joven que al llegar a dicha conclusión decide convertirse en uno. Pero en esta historia no hay araña radioactiva que lo pique, ni millones que lo abalen, y, sobre todo, no hay superpoderes.

Dave decide convertirse en Kick Ass debido al reiterado robo, semana a semana, que sufre por los mismos dos tipos. Incluso son estos dos tipos, al darle una violenta paliza en su primera salida como “superhéroe”, los que terminan por generarle su único “poder”: insensibilidad física que se resume en una gran resistencia a los golpes.

En su segunda aparición, es filmado y subido a Youtube peleándose contra cuatro para defender a un hombre, y se convierte rápidamente en un fenómeno. Debido a esto, Dave decide armar una página para que la gente le pida ayuda.

De ahí en adelante arranca una nueva historia que lo llevará a conocer a otros como él (la dupla formada por Hit Girl (Chloe Moretz) y su padre Big Daddy (Nicolas Cage), y al cebo Red Mist (Christopher Mintz-Plasse)), a convertirse en el amigo gay de su amor platónico y en el principal enemigo de Frank D'Amico (Mark Strong), el jefe de la mafia local.

Kick Ass junta buenos gags con excelentes escenas de peleas, tiros y sangre, llegando por momentos a niveles tarantinescos, todo esto sostenido por una atractiva historia, lo que genera una película más que interesante y, sobre todo, entretenida.

Trailer:

"Espejos" de Ciro y Los Persas

“Espejos” es el disco debut de Ciro como solista tras la separación de Los Piojos. Para el mismo, el cantante armó una nueva banda, Los Persas, solo con una cara conocida, el tecladista “Chucky” de Ipola. La completan Juan Gigena Abalos y Juanjo Gaspari en guitarras, Broder Bastos en bajo y Lulo Isod en batería.

En “Espejos”, Ciro vuelve a incursionar en diferentes estilos, con el rock como alma mater, como supo hacer en Los Piojos, y logra un sonido con grandes reminiscencias a la música de la banda de El Palomar con el condimento de su voz característica.

El disco abre con “Antes y después”, corte del mismo, y en el que deja en claro, desde el título, que Los Piojos quedaron en el pasado (“hoy todo vuelve a empezar y será lo que ya fue”), idea que aparece en varios temas. Sin embargo, el sonido piojoso se hace presente a lo largo de todo el disco: desde el rock crudo de la primera época (“Servidor”, “Rockabilly para siempre”, “Blues del gato sarnoso”) hasta el rock mixtura, o rock and ross, (“Malambo para Luca”, “Chucu-chu”, “Espejos”) con el que explotaron.

Por otro lado, Ciro demuestra estar en un gran momento compositivo, contando historias de amores perdidos en “Insisto”, una de las grandes canciones del disco, (“Nunca me perdonaré no haber hecho más, no sé, el tiempo todo destruye todo, lo sé”), en su reggae contestatario “Paso a paso” (“Sobra el alimento pero falta educación”) pero sobre todo en “Vas a bailar”, donde, basada en la idea “Baila como si nadie te estuviera viendo”, Ciro expone toda su experiencia con guiño a esta nueva etapa (“No estás aquí para pasar sin que te vean, ¡qué carajo! Si ser lo mismo es virtud, vos sabés bien que también es quietud, si anda rondando la felicidad no tengas tanto temor de cambiar.”)

Además, “Espejos” cuenta con varios invitados a la altura de la circunstancia, entre ellos el ex Piojos “Micky” Rodríguez en “Paso a paso”, Diego Arnedo con el bombo legüero en “Malambo para Luca” y “Dani” Buira con La Chilinga.

Las separaciones suelen traer momentos de crisis, como dijo el gran Homero “Oportuncrisis”, y de eso se puede generar algo o dejarse morir (metafórico, claro). Sin dudas, Ciro supo aprovechar ese momento y lo volcó en un disco impecable. "Soy el mejor gato sarnoso que está de vuelta en su hogar", canta en el “Blues del gato sarnoso”. Habrá que acostumbrarse.

Calamaro presentó "On the rock"

Pasadas la 20:30 del lunes, las luces del Luna se apagaron para darle paso al último de los tres shows que Calamaro brindó para presentar su nuevo disco “On the rock”. El corte del mismo, “Los divinos” fue el punta pie inicial seguido por la Stone “"Jumpin' Jack Flash" y una versión rockera de “El Salmón”, cada vez más cercana a la grabada por El Indio.
De esta última placa, solo 5 canciones formaron parte del show. Además del corte, pasaron “Todos se van”, “El pasodoble de los amigos ausentes”, “El Perro” y la ranchera “Te solté la rienda”.
El resto del show, El Salmón se dedicó a hacer una muy buena revisión de su discografía, con varios cambios a la lista de los recitales de los últimos años en Capital, para sorpresa de los miles de seguidores que coparon el Luna. Así pasaron “Mi rock perdido”, en un gran recuerdo Rodríguez, “Nunca es igual” enganchada con “Get up, Stand up” de Marley, la hermosa “Comida china”, con explicación lisérgica incluida y, la gema de la noche, “Ni hablar” de “Nadie sale vivo de aquí”. Además, demostró porque su nombre quedó tan relacionado con “El Salmón” incluyendo 6 temas de ese disco (“El Salmón”, “Revolución turra”, “Tuyo siempre”, “Para seguir”, “All you need is pop” y “Output input”).
Un Calamaro bastante locuaz, se tomó su tiempo para recordar al bandoneonísta Rubén Juárez, brindar a la salud de Gustavo Cerati, defender a la tauromaquia y homenajear, con imágenes de fondo, “a los amigos que se fueron primero” en “Los Chicos”.
Con una banda potente y experimentada, formada por Diego García y Julián Kanevsky en guitarras, Candy Caramelo en bajo, Tito Dávila en teclados y José "El Niño" Bruno en batería, Calamaro mostró su lado más rockero y dejó claro que el nombre de su último disco le sienta muy bien.

Foto de Diego Paruelo

Calamaro on the rock

El nuevo disco de Andrés Calamaro es una buena muestra de la versatilidad artística del Salmón y de su eterna incursión en todo tipo de ritmos y estilos, con la colaboración de grandes referentes de cada uno.
La gira con Diego “El Cigala” y su flamenco queda plasmado en “Los Barcos”, tema que abre el disco, con la guitarra característica del “Niño Josele” y una hermosa letra (“Escapemos entonces, y vivamos sin horarios”). “Té extraño” es un bello bolero coronado con la participación del rapero español “El Langui”. Para la ranchera clásica de José Alfredo Jiménez “Te solté la rienda”, Calamaro se da el lujo de invitar al gran Enrique Bunbury. En “Tres marías” vuelve a la cumbia con la participación de Vicentico, y se les suma Pablo Lescano para un remix del mismo tema. El Calamaro clásico aparece en “Todos se van”, tema que podría formar parte de “Honestidad Brutal” junto a “Me envenenaste” y “Los Divinos”, el corte, con el nuevo fetiche coral Pereza (grabaron con Fito en “No sé si es Baires o Madrid” y con Sabina en “Vinagres y rosas”). El de “El Salmón” asoma en “Insoportablemente cruel” junto a Calle 13 y las rockeras “Gomontonera” y “Flor de Samurai”. E incluso, el verborrágico de su época de ostracismo deepcamboyano vuelve para rescatar (y reversionar) “El pasodoble de los amigos ausentes” y “El Perro”.
Del segundo disco solo se puede rescatar el tema nuevo “Perdoname”, que debería haber formado parte del primero, pudiendo evitar algunas reversiones innecesarias, pero en definitiva “On the rock” es un buen testimonio del excelente presente de Calamaro y, sobre todo, uno de los discos más interesantes del ámbito nacional en lo que va del año.

Video "Los Divinos":

Los Sustitutos

The Surrogates (“Identidad sustituta” o “Los sustitutos” en español) es una de las mejores películas de ciencia ficción de los últimos tiempos. La misma está basada en el comic editado en 2005 con guión de Robert Venditti y dibujado por Brett Weldele.
La idea principal de la historia es el punto fuerte de la película. Esta transcurre en 2017, cuando los humanos han cedido sus vidas para vivirlas a través de un control remoto que les permite manejar desde su sillón al robot que los sustituye en las aburridas tareas del mundo real y los mantiene alejados de los peligros y la inseguridad.
Pero de repente, esta tranquilidad desaparece a raíz de que, en un atentado al creador de los sustitutos, utilizan un arma que destruye al robot y también a su dueño. Los principales sospechosos son un grupo de humanos, encabezados por El Profeta, que se niegan a vivir con los sustitutos, y que se recluyen en zonas libres de estos. Una especie de auto apartheid.
De esta manera, The Surrogates funciona como una muy buena crítica social relacionada con los efectos de los avances tecnológicos y los problemas de la sociedad actual, como la utilización del miedo como herramienta de control o la hipercomunicación (e hipertecnologización) que lleva a la soledad y el individualismo.

Para bajar el comic

El camino largo de la despedida

No Te Va Gustar volvió al Estadio Cubierto Malvinas Argentinas para despedir su último disco “El camino más largo” (2008), y brindó un show impecable repleto de los (ya) clásicos de la banda liderada por Emiliano Brancciari.
Con un triplete de la última placa (“El camino más largo” / “Niño” / “Como si estuviera”), NTVG abrió el show del viernes que se extendió por un poco más de dos horas ante un Malvinas colmado. Lo siguieron “En la cara” y “La única voz”, una de las gemas más festejadas de la noche, que dio paso al único estreno, “Tu defecto es el mío”, que formará parte del disco que entraran a grabar próximamente.
La lista compuesta por 29 temas recorrió buena parte de la discografía y sirvió como una interesante muestra de la versatilidad musical de la banda que pasó de tocar una versión potente de la rockera “No llegas a mí”, con Emiliano Brancciari en guitarra y voz, Guzmán Silveira en bajo, Diego Bartaburu en Batería y Pablo Coniberti en guitarra, a que se le acople el resto (Gonzalo Castex en percusión, Marcel Curuchet en teclados y el trío de vientos Martín Gil, Denis Ramos, y Mauricio Ortíz) para el hermoso candombe “Clara” y el reggae “Verte reír”.
Pero los puntos altos de la noche fueron “Dejame Bailar”, la coreada (y casi cantada completamente por el público) “No hay dolor”, la sorpresiva “Solo de día” y el cierre clásico con “Fuera de control” y “Te voy a llevar” con fragmentos ricoteros de “Todo un palo”.
Con un sonido imponente, salvo por el bajo volumen de los vientos en algunos momentos, y un juego de luces acorde, NTVG dio uno de sus mejores shows. Una gran despedida, y, sobre todo, un buen augurio para el disco prometido.

El pésimo libro de Eli

¿Cómo alguien puede escribir una historia como la de El libro de Eli y pensar que a otro le va a interesar? ¿Qué se le cruza por la cabeza a otro para financiarla y hacerla película? Para esto segundo, solo hay una respuesta: Ser el protagonista.
El libro de Eli cuenta la historia de un mundo post-apocalipsis en donde predomina la violencia y el individualismo, y donde el agua es el bien más preciado. Denzel Washington encarna a Eli, un hombre solitario que posee un libro con un mensaje que puede salvar a la humanidad y que defiende contra todo (y todos). En el camino al Oeste, donde debe dirigirse por el mandato de una voz interior, llega a un pueblo manejado por Carnegie (Gary Oldman), quién además de ser el que posee el agua, es un coleccionista de libros y está en busca de uno especial. Y sí, uno tiene un libro, el otro busca libros… esa se supone la trama. En el medio aparece la fe y un mensaje religioso tan ridículo que ni siquiera la iglesia hubiera escrito.
La película dirigida por los hermanos Hughes, y escrita por Gary Whitta, es un rejunte de situaciones inverosímiles, frases hechas y lugares comunes mezcladas con una estética western y algo de cine oriental que deja como resultado una de las peores y más aburridas películas de los últimos tiempos.

Fito Páez en el Luna Park

Con motivo de la presentación de su último disco “Confiá”, Fito Páez se presentó el viernes en el Luna Park. Vestido de un impecable blanco, el rosarino salió pasadas las 21:30 y, durante más de dos horas casi sin interrupciones, mezcló lo nuevo y lo viejo en un show impecable.
En esta ocasión, Fito estuvo acompañado por Gastón Baremberg en batería, Eloy Quintana en bajo, Carlos Vandera en guitarra acústica y coros, Diego Olivero y Juan Absatz en teclados, y Coki Debernardi y Dizzy Espeche en guitarras eléctricas, quién reemplazó a Gonzalo Aloras.
El show arrancó con una de las sorpresas de la noche, “Folis Verghet”, del disco La La La grabado junto a Luis Alberto Spinetta en 1986. Lo siguieron el corte de su última placa, “Tiempo al tiempo”, y “Confiá”. El repaso por este nuevo trabajo incluyó “La nave espacial”, la hermosa “London Town”, una cambiada “Limbo mambo”, la funky/rockera “M&M”, “La ley de la vida” y “El mundo de hoy”.
A Fito se lo pudo ver ecléctico: en el piano, solo cantando, manejando la banda como a una orquesta, y con la guitarra para una furiosa “Ciudad de pobres corazones”. Por su parte, la banda sonó implacable y acompañó a la perfección a una Páez totalmente inspirado. “Esta canción es tan buena que no parece mía”, dijo antes de hacer la genial “Tumbas de la gloria”, y cerca del final del show aseguró: “Este fue el verdadero regreso a Buenos Aires”.
En el medio pasaron impecables versiones rockeras (“El chico de la tapa”, “Naturaleza sangre”, “El diablo en tu corazón”), momentos íntimos (“Cable a tierra”, “Al lado del camino”, “Un vestido y un amor”) y clásicos inquebrantables (“11 y 6”, “La Rueda Mágica”, “Polaroid de locura ordinaria”).
Como invitada estuvo Claudia Puyó que puso sus gritos, entre otras, en “El amor después del amor” logrando una versión similar a la editada en 1992 en el disco homónimo.Luego del cierre con “A rodar la vida”, Fito volvió para los bises e hizo una hermosa versión de “Giros”, caminó alrededor del público en “Dar es dar” y con una poderosa versión de “Mariposa tecknicolor” le puso fin a un show completo que dejó a todo el Luna de pie aplaudiendo, disfrutando, confiando.

Foto de Diego Paruelo

Kevin Johansen vivo en Buenos Aires

Para muchos Kevin Johansen no es más que “ese que canta el tema de Resistiré” o “el doble del Piojo López”. Pero atrás de ese inconsciente colectivo hay un gran músico.
El año pasado se juntó a otro excelente artista, Liniers, y emprendieron una serie de recitales en los que mientras la banda hacía lo suyo, Liniers pintaba basándose en las canciones. Uno de estos shows, realizado en el Teatro Nacional de Buenos Aires, quedó plasmado en el CD + DVD “Vivo en Buenos Aires”.
En este, Johansen, junto a los magníficos The Nada, dejan un perfecto testimonio de la versatilidad rítmica que los caracteriza, y que se hace presente en cada uno de sus discos. Este estilo camaleónico queda confirmado con la presencia de varios artistas igual de disimiles: Ileana Cabra de Calle 13 para el himno de la globalización “Logo”, Paulinho Moska para una hermosa versión de “No voy a ser yo”, Kiko Veneno en el hit “Desde que te perdí”, el uruguayo Fernando Cabrera en “Buenos Aires anti-social club” y “El incomprendido”, y hasta Liniers para “Fin de fiesta”.
De esta manera, los 17 temas que forman “Vivo en Buenos Aires” (25 en el DVD) funcionan como una buena presentación para el que escucha la banda por primera vez, y como un más que aceptable recuerdo para el viejo seguidor que igualmente se quedará con ganas de algo novedoso, tras tres años sin nuevo material.

John Katzenbach en la Feria del Libro

El novelista John Katzenbach, autor de “El psicoanalista”, “Al calor del verano” y “Juicio final”, entre otros, se presentó el domingo en el salón José Hernández de la Feria del Libro para brindar una charla acerca de su vida y obra. Ante un auditorio casi colmado, la presentación fue coordinada por la escritora Patricia Kolesnicov.
“Lo terrible de ser escritor es que uno termina un libro y piensa: ‘este es realmente bueno’, pero un tiempo después lo agarra y se pregunta ‘¿quién puso esto en mi libro?’”, aseguró el autor mostrando su lado crítico e irónico a la vez.
Sobre sus comienzos como escritor contó que se dedicó a esta profesión cuando lo echaron del Miami Herald. “Ahí me di cuenta que creando una historia podía tomar el control de la vida de todos los personajes. Un día me siento adelante del teclado y soy un asesino, otro día, un detective”, afirmó y agregó: “Si un escritor no se mete en las emociones de sus personajes, la historia será chata, no podrá emocionar al lector”.
Además adelantó la trama de su nuevo libro en el que a un profesor de psicología le diagnostican demencia y, el mismo día, es el único testigo de un secuestro de una niña. “Me gusta escribir historias donde personas comunes se convierten en detectives o se las empuja a situaciones límites, y se ven obligados a demostrar su fortaleza interior”, aseguró. Sin embargo, confesó que ya hubo 3 casos de asesinos seriales a los que se les encontró “Retrato en sangre”, uno de sus primeros libros, con marcas y párrafos resaltados.
En el final llegó el momento para las preguntas del público que copó la sala (“cuando les cuente a mis amigos, no me lo van a creer…ninguno”) y para que nuevamente Katzenbach muestre su lado irónico: “Voy a empezar a escribir historias de amor entre vampiros. Parece que eso vende”.

"La Isla Siniestra" de Martin Scorsese

Que hablen de una isla y no pensar automáticamente en Lost, hoy en día, es casi imposible (sobre todo a 4 capítulos del final). Sin embargo, Martin Scorsese adaptó La Isla Siniestra (Shutter Island), novela de Dennis Lehane (Gone, Baby, Gone y Río Místico), le dio, al menos por un rato, otro sentido a la isla y armó una de las sorpresas cinematográficas en lo que va del año.
En esta, el niño mimado de Scorsese, Leonardo DiCaprio, encarna a Teddy Daniels, un comisario que viaja para buscar a una peligrosa paciente que se escapó del hospital psiquiátrico y está suelta por la isla (una especie de Alcatraz psiquiátrica).
Pero desde su llegada, Daniels se encuentra con historias de conspiraciones, intrigas, enigmas y los fantasmas de un pasado tormentoso que empiezan a complicar los intentos por develar el caso. Con lo único que cuenta es con los testimonios de los testigos, que en su mayoría son los internos del hospital y sus delirios, y, como si fuera poco, un fuerte temporal azota la isla y no permite que nadie salga de la misma.
De esta manera, Scorsese arma un thriller psicológico en el que hay que meterse en la cabeza de cada uno de los personajes para intentar descubrir quienes dicen la verdad y quienes mienten, y en el que la realidad y las realidades mentales se mezclan constantemente confundiendo tanto a Daniels como al espectador que tendrá que esperar hasta el último momento para comprender. Y quizás, aún terminada la película, le quede alguna duda.

Las conspiraciones de Alex Jones

Las conspiraciones siempre atraen: grupos reducidos que manejan el mundo, que tienen más poder que los establecidos o conocimientos extraordinarios (a veces incluyendo relaciones extraterrestres), son algunas de las teorías que rondan. Últimamente las ficciones las tomaron como parte casi imprescindible, como el best seller “El Código Da Vinci” (y todos los sub libros que trajo aparejados) y “La Compañía” de Prison Break, por nombrar solo algunos.
En 2007, el periodista Alex Jones sacó End Game (blueprint for global enslavement), un documental en el que intenta demostrar como un grupo de élite, el Grupo Bilderberg, se junta una vez por año para definir el rumbo del mundo. Las reuniones cuentan con cerca de 130 invitados, la mayoría de los cuales son banqueros, expertos de defensa, dueños de la prensa, ministros, realeza, financieros internacionales y líderes políticos de Europa y América del Norte (supuesta lista del 2009).
La teoría principal es la búsqueda de un Nuevo Orden Mundial dominado por esta elite y que culmina con la eliminación del 80 por ciento de la población. Para esto, según Jones, utilizarán métodos que van desde la unificación de América del norte hasta la eugenesia como herramienta para la despoblación mundial.
En el documental el periodista cuenta desde los inicios del grupo, pasando por su relación con el nazismo y las diferentes guerras, e intenta cubrir la reunión de 2007, en la que se puede ver a varios de los participantes de la misma, pero siempre a una distancia prudencial.
De lo que se habla adentro, realmente, poco se sabe. Para los amantes de las conspiraciones, será una panzada de teorías. Para los escépticos, quizás les interese, quizás no. Creer o reventar.

Acá se puede ver:

¿Dónde vas?, de Skay Beilinson

¿Dónde vas? es el cuarto disco de Skay Beilinson como solista. En este, el músico emprende un viaje que lo lleva desde Marruecos hasta su propia cabeza, pasando por diferentes estados, sensaciones y climas gracias a la pluma y la guitarra del ex Redondos, cada vez mejor acompañado por Los Seguidores de la Diosa Kali.
El viaje arranca en Fez (“La luna en Fez”) ciudad marroquí en la que pasó una temporada en 2008 y que claramente le dejó su marca (“nosotros vivimos en 2010, ellos están en 1400 y viven bien. En medio de esa austeridad y esa falta de casi todo, tienen un sentido de la vida tan profundo, tan religioso y místico. Son cosas que en Occidente se han perdido. La presencia de la realidad espiritual está de forma permanente; hay mucha religión, mucha tradición”, dijo el año pasado en una nota en La Nación)
El recorrido incluye partes introspectivas, con una declaración de principios (de viaje y de vida) en “En el camino (“Aunque me quisieron adiestrar, nunca me pudieron domesticar”), un paseo por su cabeza en “Aves Migratorias” y “Tarde de lluvia”, para luego regresar a la metrópoli en “Territorio caníbal” (“Nuevos envases de competición, bajo el neón, lucen perfectos. Raras especies para tu colección, son un montón de ofertas. ¡Tal vez yo sea uno más! ¡Solo un cuerpo más... en esta feria!”) y finalizar en el cosmos para describir (y aplaudir) a la humanidad en su conjunto (“Héroes y poetas, magos y profetas, santos, inocentes, somos la humanidad. Crueles, mentirosos, violentos e implacables, tiranos y oprimidos, somos la humanidad” en “Aplausos en el cosmos”), entre algunos de los destinos a los que lleva este viaje.
Con un estilo que recuerda al sonido ricotero y sus riffs característicos (en “Lejos de casa” se pueden confirmar) adornando todo el disco, Skay sigue armando su camino solista. ¿Dónde va? Poco importa. Con lo bien que está haciendo el recorrido basta y sobra.

“El ritmo del jardín”, nuevo disco de El Atolón de Funafuti

Ya con su placa anterior, “Pequeños rostros en piezas” (2007), El Atolón de Funafuti anunciaba que lo suyo venía por otro lado. Letras spinetteanas/bunburistas en base rock y con una fuerte presencia de violín y teclado hacían prever algo diferente.
En el reciente “El ritmo del jardín” no solo confirma esa búsqueda sino que demuestran todo su potencial y se perfila como una de las bandas más interesantes de la escena under.

Con un líder, Tino Moroder (apellido digno de Tolkien), que posee las mejores condiciones para un cantante (buena letra, estilo y gran interpretación), y una banda que derrocha virtuosismo en todas sus partes (Martín Irrazábal en guitarra, Marilina Calós en violín, Lucas Herrera Fernández en piano, órgano y rhodes, Nicolás Silva en bajo y Juan Corrao en batería), El Atolón crea un sonido propio que queda perfectamente plasmado en cada tema, en el que juegan con los tiempos, géneros y sonidos de forma magnífica. Basta escuchar “Hotel de los desbocados”, “Rabia” o “Enciéndete para mí” para comprender.

Como resultado “El ritmo...” resume en 13 canciones la buena música que la banda sabe y, sobre todo, le gusta hacer, y deja las puertas abiertas a un futuro promisorio. “Bienvenidos al jardín animal..”

"Confiá", lo nuevo de Fito Páez

La serie de shows del año pasado junto Coki & the Killer Burritos parecen haber despertado en Fito las ganas de volver a grabar nuevamente con una banda luego de “Rodolfo”, su disco -por excelencia- solista. Para eso se juntó con Eloy Quintana en bajo, Gonzalo Aloras y Coki Debernardi en guitarras, Bolsa González en batería y Eduardo Lyra en percusión (más unos hermosos arreglos de vientos made in New York y Río de Janeiro)
El resultado fue “Confiá”, decimoquinto disco de estudio del rosarino. En este, Páez mezcla momentos geniales con simpleza lírica (salvando las enormes diferencias, ¿The Beatles no hacía algo similar?) y juega con esa doble personalidad que muestra desde la tapa del disco en la que se ve un Fito mirando fijo a un Fito mirándolo de reojo.
Y este desdoblamiento forma parte de todo el disco, tanto para él como para los personajes de sus canciones, como en “Confiá” (“Yo quisiera hablar pero lo que doy es un hombre viendo al norte solo y loco hacia el sur”) o en el funky-popero "M&M", en el que dos chicas demuestran “que las chicas buenas van al cielo, y las malas donde quieran”.
Entre los puntos altos del disco están “Lindo Mambo”, gran canción guitarrera; la melancólica “London Town” (“Yo no creo en volver a empezar. Lo que un día vi no lo veo más”); la rockera/gospel “La ley de la vida” (“Nos hicimos tantas cosas sucias sin razón y fue inevitable, nos rompimos el corazón”); aunque sin dudas la perla del disco es “Desaluz”(“Nadie se queda y al final nadie se va”)En una entrevista con Clarín, a días de que salga “Confía”, Fito dijo: “No me planteo ser original”. Y en el disco queda claro. Es puro Fito. “Si querés escuchá y cantá, y sino bancatelá...”

Video del corte "Tiempo al tiempo":

Esto es espectáculo

¿Qué hacemos con este pibe?



Disfrutarlo.

Las Pastillas del Abuelo volvieron al Luna Park

Para esta ocasión, la banda dividió casi todo su repertorio (editado y no) en dos noches, una más fiestera y la otra más rockera.
En la primera de estas fechas, y ante un Luna repleto de gente de todas las edades, Las Pastillas brindaron durante casi tres horas uno de los mejores shows de los últimos tiempos con una lista que incluyó los temas más candomberos (“Viejo”, “Resulta imposible”, “Saber cuándo parar”), algunos de los más queridos por su público (“Peldaños”, “Lo más fino”, “Por colectora”, “La casada”) y los más fiesteros (“El Ratón”, “Skalipso”, “Cowboy”). En total fueron 26 temas el viernes 26, y 27 el sábado 27, ¿Casualidad o causalidad?
Además contaron con la presencia de Alejandro Balbis y los caballeros de peluca (ya un clásico en los recitales de Las Pastillas) para poner sus voces rioplatenses en los candombes, y Hugo Lobo (líder de Dancing Mood) con su trompeta en “Skalipso”.

Luego de los problemas de sonido que habían tenido en el show en Ferro (última presentación en Capital) esta fue la reivindicación de la banda y la demostración de porque es una de las más convocantes de la actualidad, y la de mayor crecimiento en los últimos años.

La Franela en La Trastienda

El sábado La Franela tocó en La Trastienda para seguir presentado su disco debut “Después de ver”. Con sala llena y un público fiel que ya conoce de punta a punta el disco, la nueva banda del ex Piojo Daniel “Piti” Fernández, se lució en un show en el que contó con Matín “Tucan” Bossi en teclados (guitarras y sintetizador), en lugar de Chucky de Ípola que se fue al proyecto solista de Ciro, y con él La Franela parece haber encontrado su formación definitiva.
La lista incluyó todos los temas del disco con puntos altos en ”Akanakena” y el tremendo “Todos los vientos” (“para todos los amores que separó la guerra”), el cuál fue elegido por los seguidores como el próximo corte. Además presentaron dos canciones nuevas y algunos covers entre los que se destacan la gran versión de “Dos Margaritas” de Os Paralamas do sucesso, y de Los Piojos “Entrando en tu ciudad”, “Solo y en paz” (hermoso tema que tenían bastante olvidado), “Reggae rojo y negro” y “Vine hasta aquí” para dejar más que conforme tanto al público franelero como al piojoso.

Lo que me mata de La Franela:

Charly García en el Luna Park

¿Se puede volver a ver a Charly en un escenario y no emocionarse? ¿Es normal verlo sonreír y disfrutarlo como si fuera un viejo amigo que volvió de las peores? Los Refutadores de Leyendas dirán que no, que no es el mismo Charly, pero por suerte todavía quedan los Hombres Sensibles que sabrán valorarlo.
Charly se presentó en el Luna y volvió a demostrar porque es uno de los más grandes músicos que dio el rock nacional, o mejor dicho, uno de los que lo creó.
Con un show de casi tres horas y una lista impecable, recorrió toda su historia acompañado por su nueva banda formada por el trío chileno compuesto por Kiuge Hayashida en guitarra, Tonio Silva Peña en batería, Carlos González en bajo, junto a Fabián “Zorrito” von Quintiero en teclados, el “Negro” Carlos García López en guitarra e Hilda Lizarazu en voz y coros.
La apertura fue con la rockera “Demoliendo hoteles” que dio el pie para que pasaran grandes clásicos como “Promesas sobre el bidet”, “Cerca de la revolución”, “No soy un extraño”, en la que García fue elevado en un andamio, “Pasajera en trance” con dos chicas flotando por el cielo del Luna, “Yendo de la cama al living” y una gran versión de “Raros peinados nuevos”, entre algunos de los momentos destacables de una noche repleta de estos.
Como invitados estuvieron Fito Páez, con el que hicieron la hermosa “Desarma y sangra”, Pedro Aznar (“es Paul McCartney loco”) para hacer “Perro Andaluz” y “Seminare”, y Juanse en “Mr. Jones”.
Tras varios bices, Charly salió solo para despedirse, y tocó “Canción para mi muerte” dejando el final para que lo cante solo la gente mientras él se iba.

Alguna vez, con motivo del “regreso” en Vélez, Fito lo dijo: “Charly no vuelve, Charly siempre estuvo”. Como los dioses... pero de carne y hueso.

Foto Leo Vaca

Este es “Medicina de amor”, el tema nuevo que presentó en el Luna: