"Noel Gallagher’s High Flying Birds"

Lo único bueno de que se separe una banda (sobre todo si te gusta) es la diversificación de proyectos que, en algunos casos, dan varios buenos frutos. Algo así ocurre con Oasis. Por una lado, todos los ex menos Noel armaron Beady Eye que sacó este año "Different Gear, Still Speeding", un interesante disco que mezcla rock de todas las épocas con el sonido de la banda madre, y que, claro, tiene el plus de contar con Liam al frente.
Ahora el que sale a la pista es quien se quedó afuera de dicho proyecto. El Gallagher conocido como la cabeza compositiva detrás de una de las grandes bandas inglesas (y del mundo) de los últimos años debuta con su "Noel Gallagher’s High Flying Birds" y regala uno de los mejores discos del año.
La libertad de esta nueva etapa parece haberle funcionado de maravillas a Noel, ya que mezclando temas nunca editados por Oasis ("Stop The Clocks", "(I Wanna Live A Dream In My) Record Machine") con grandes composiciones nuevas de esas que lo hicieron brillar en su anterior proyecto ("If I had a gun", "Aka...Broken Arrow", "(Stranded On) The Wrong Beach"), el mayor de los Gallagher reafirma por qué es considerado uno de los mejores compositores de la historia. Y encima, si bien ya había dado muestras, se destapa como un gran cantante (o al menos interprete). Claro que tiene una banda de apoyo que suena a la perfección y que se amolda perfectamente a la búsqueda sonora del ex Oasis.
Acorde a los que creen que la muerte es solamente un cambio de estado, Noel, en "The death of you and me", primer corte del disco, deja en claro cómo se toma este momento: "Forever we’d be free, free to spend our whole lives running from people who would be the death of you and me" o "Siempre vamos a ser libres, libres de pasar toda la vida escapando de personas que pueden ser nuestra muerte". Y dentro de esta nueva etapa, confirma todo lo que se pensaba/esperaba de él, y a pesar de estar bien acompañado, demuestra que lo único que necesita para seguir adelante es una guitarra.

"Hacer un puente", de La Franela

"Hacer un puente" es el segundo disco de La Franela, la banda liderada por Daniel "Piti" Fernández, ex guitarrista de Los Piojos. En este nuevo trabajo la banda sigue explorando el rock, mezclado con el ska y el reggae, con un sonido que recuerda a las últimas épocas de la ex banda de "Piti". Y las reminiscencias y menciones del pasado no se encuentran solo en el sonido sino que están presente en varias de las letras ("No me engañan nunca más (...) Lo siento mucho, solo quiero andar el camino sin mirar atrás"). Incluso "GPS", a pesar de estar dedicada a su hijo Antonio, pareciera remitir a "Micky" Rodríguez, ex compañero de Los Piojos, y sus nuevos pagos, y en el cierre se puede escuchar la última grabación de Gustavo "Tavo" Kupinski con su bandoneón.
A pesar de algunos cambios en la formación que grabó el primer disco (salió Chucky de Ipola y los teclados quedaron totalmente a cargo de Martín "Tucán" Bossa, que esta vez se anima también a componer, y Facundo Farías Gómez a cargo de la percusión en lugar de Diego Chávez), el sonido de la banda no parece haber sufrido alteraciones pero a la vez no ofrece mayores novedades. Encima la prosa de "Piti", quien supo escribir varios de los grandes clásicos de Los Piojos (se hace imposible no comparar), sorprende con momentos de simpleza extrema ("Pago el peaje, soy cero salvaje"), aunque como siempre deja algunos buenos pasajes.
Dentro de esto, los puntos más interesantes aparecen por el lado rockero, un rock cancionero, claro ("Lo nuevo", "Sirena" y "Las horas"), en su faceta más relajada ("Hacer un puente") o cuando se animan al ska irónico/crítico (es menester ver el video) en "Price for freedom".
"Hacer un puente" continúa la línea de "Después de ver", y deja en claro que La Franela nace de la necesidad de libertad de "Piti" (“En vez de murallas, alambrados, vallas, en vez de muros que separan, que excluyen, que expulsan: hacer un puente”). Y dentro de esta libertad, se los nota cómodos.

"Piel y hueso", de La Vela Puerca

"Piel y hueso" es el nuevo disco de La Vela Puerca. Al igual que lo que hicieron en su anterior placa, "Normalmente anormal" (CD + DVD), que separaba por una parte la visceralidad del show en vivo, y por otra el formato acústico con canciones inéditas, este nuevo material está dividido en dos ("uno y medio" dirán ellos): un lado rockero, y un segundo en un plan más relajado.
Así, en la primera parte, La Vela explota todo su potencial eléctrico, con un sonido ya alejado del ska/reggae que caracterizaba sus primeras dos placas ("Deskarado", "De bichos y flores"), pero también de la oscuridad de "El impulso", aunque mantiene el gen rockero que sobrevolaba toda su discografía. Y dentro de este estilo es donde Sebastián "Enano" Teysera y Sebastián "Cebolla" Cebreiro muestran su lírica contestataria y aparecen los mejores momentos del disco, como en "Sobre la sien", en la que el "Enano" hace catarsis con su público, el corte "La teoría", y "Todo el karma", la gema del disco, con un combo letra/música impecable.
En la segunda parte, que contiene solo seis temas (por eso lo de "disco y medio"), abordan el formato acústico que tan bien saben manejar desde sus inicios, y que a lo largo de toda su historia dejó varios de los grandes momentos de la banda ("Contradecir", "Zafar", "En el limbo", "Para no verme más", "Semilla"). Acorde a esos clásicos se destaca "Sé a dónde quiere ir", con una hermosa letra de despedida, y la fuerza/melancolía que el "Enano" sabe generar sólo con una guitarra, a pesar de que en esta oportunidad está acompañado de arreglos de vientos y cuerdas.
En una época donde las ventas de discos no para de bajar (esto nunca se dijo, ¿no?), La Vela Puerca se anima a más, y no solo edita un disco ambicioso, sino que se desdobla para lograr mostrar todos sus costados, o al menos, los que hoy los representan.

"Superheavy", de Superheavy

El adelanto era promisorio. Un reggae ("Miracle Worker") en el que se mezclaba la dulce voz de Joss Stone, la cadencia jamaiquina de Damian Marley, y el estilo inconfundible de Jagger, hacían prever un gran disco. Sin embargo, la expectativa no se iba a cumplir.
Superheavy, el nuevo (¿súper?) grupo formado por Mick Jagger, Dave Stewart (ex Eurythmics), Joss Stone, Damian Marley, y A. R. Rahman, compositor de la banda sonora de la película "Slumdog Millionaire", acaba de editar su disco homónimo.
La idea mentora de la unión de estos músicos pareciera ser la mezcla de estilos y culturas en busca de un sonido diferente. Dentro de esta búsqueda, la banda recuerda por momentos a Black Eyed Peas ("Satyameva Jayathe", "Beautiful People", "Energy"). Pero, cumpliendo una de las grandes máximas del fútbol, la suma de las individualidades no hace un equipo.
En Superheavy, cada uno de los integrantes se luce dentro del estilo por el cual es conocido, sin lograr integrarse o adaptarse al resto, y, por lo tanto, nunca llegan a sonar como una banda sólida.
A pesar de esto, el talento gana por momentos, y hace aparecer un par de gemas destacables, sobre todo cuando se juntan las voces de Jagger y (que ironía) Stone, como en la sufrida "One day one night", en la que se mezclan en un dueto final épico; en la rockera "I can't take it no more", con reminiscensia a U2; o en "I don't mind", con homenaje a Eurythmics incluido. También, cabe destacar "Common Ground", un ska con arreglos de violines, que viene solo en la versión deluxe.
Si bien "Superheavy" no cumple con la expectativas, más que nada para los que las tenían, vale la pena escucharlo, y, en esta época de adictos al random, dejar un par de temas en la lista.

"Baldíos Lunares", de Juanse

Sorprende desde el primer minuto. Y eso ya es bueno. "Baldíos Lunares", el nuevo (tercer) disco como solista de Juanse, tras una separación (?) polémica de Los Ratones Paranoicos, arranca con una de las canciones más tranquilas de las que se lo ha escuchado cantar, con una guitarra acústica al frente y arreglos de cuerdas incluidos ("El sol"). Como si fuera poco, lo siguiente será un reggae en tono comedia ("Samurái"), en el que contará la historia de su tintorero samurái, con la participación estelar de, ni más ni menos, que Diego Arnedo en bajo.
Claro que también habrá tiempo para volver a sus raíces rocanroleras y revisar el sonido paranoico, pasando desde los primeros tiempos más crudos ("Algo sucia", con la participación de Deborah Dixon, "El fuego" con "Bocón" Frascino, "Baby doll"), a la última época cancionera ("Tomates", "Solo una vez más"). Pero incluso, dentro de este revisionismo, Juanse encuentra la manera de volar un poco más, como en "Descomposición", tema con tintes stones que también incluye arreglos de cuerdas y en el que el ex líder de Los Ratones incursiona en el saxo, o en "Carne radioactiva", con algunos dejos jazzeros.
Y si nada de esto logró sorprenderlos, para el final, Juanse, admirador confeso de Spinetta, se guarda una bomba, y se despacha con una versión disco de "Gabinetes espaciales", clásico de Almendra, que generará alguna polémica, sobre todo entre los puristas.
Si bien, prejuicios de por medio, todo parecía indicar que "Baldíos Lunares" sería una secuela de la discografía paranoica, Juanse muestra en este material una búsqueda sonora, al menos de a ratos, diferente, que resulta en un interesante primer paso en esta nueva etapa.

"Mugre", de Acorazado Potemkin

"Mugre" es el disco debut de Acorazado Potemkin, un power trío formado por músicos de larga trayectoria en el Rock Nacional: Juan Pablo Fernández (Pequeña Orquesta Reincidentes) en la voz y guitarra, Luciano Esain (Valle de Muñecas,Motorama, Flopa Manza Minimal) en batería, y Federico Ghazarossian (Los Visitantes, Don Cornelio y la Zona, Me darás Mil Hijos) en el bajo.
En una época donde la multiplicidad y el mestizaje sonoro parece ser el paradigma, Acorazado decide romper los esquemas para volver a un formato/sonido clásico, y con (¿sólo?) tres instrumentos armar uno de mejores discos del año.
Con la fuerza interpretativa de Fernández, esa voz que mezcla el tango y el rock en el mismo registro, y que acompaña genialmente el fraseo de sus guitarras, apoyado en la sólida base que arman Esain/Ghazarossian, el trío se mueve dentro de una atmósfera oscura que le hace honor al nombre, tanto del disco como de la banda. Y dentro de ésta atmósfera, Acorazados muestra una gran capacidad para generar y transmitir una interesante variedad de climas, dándole/se el protagonismo necesario a cada uno para lograrlo. Así, en "La mitad", la banda introduce al oyente en un clima asfixiante que se complementa con la letra, y en el que Fernández explota su poder lírico ("si es cierto que lo nuestro termina, si es cierto que hay que hacerle un final, entonces quiero que te lleves mi hombro izquierdo, que sin tu pelo no lo voy a usar jamás"); en "Puma Thurman" muestran como contar una historia, con dejos Bioycasarescos, en una canción; en "Caracol" y "Quiero" se despachan con rocanroles más setentoso; y en "Los muertos" homenajean a los mismos, como una señal más de que en el lado oscuro es donde se sienten cómodos.
A pesar de su sonido clásico, Acorazado se adapta a las nuevas generaciones y, sobre todo, a las actuales formas de distribución, y subió el disco a su página desde donde se puede bajar de forma totalmente gratuita, y legal (leer con el espacio, sino sonará como su antónimo). El link por acá.

"I'm with you", de Red Hot Chili Peppers

"I'm with you", es el nuevo disco de Red Hot Chili Peppers después de 5 años de silencio (sin editar en realidad), y tras una nueva salida de la banda del intermitente John Frusciante. En su lugar ingresó Josh Klinghoffer, un joven multiintrumentista amigo de Frusciante, que tiene en su haber participaciones con Gnarls Barkley, Beck y PJ Harvey, entre otros. Ya los primeros segundos del disco serán una distorsión de la guitarra de Klinghoffer como una bienvenida y presentación a la vez. Sin embargo, los que esperen encontrar a unos nuevo Peppers, que se vayan olvidando. De no ser por el impacto mediático (¿no será mucho?) que tuvo la salida de Frusciante, en lo que respecta al sonido, no hay mayores diferencias, al punto de que muchas de estas canciones se podrían poner en alguno de los últimos discos, y nadie sentiría que están fuera de contexto. Klinghoffer pareciera haber aprendido demasiado del ex guitarrista y (¿a pedido/orden de la banda?) lo pone todo en práctica.
Igualmente, esto no le quita mérito, ni hace menos interesante "I'm with you".
Hace años los Peppers encontraron su camino, y este disco se enmarca dentro del mismo, con la base del tándem asesino que forman Flea y Smith. Basta escuchar los primeros minutos de "Ethiopia" para ver como se entienden, o el final de la gema "Brendan's Death song", para notar como puede una batería tomar el protagonismo de una canción, donde lo importante no es pegar fuerte y mucho, sino lo justo y necesario. Todo esto adornado siempre con la voz de Anthony Kiedis, para el que parece no pasar el tiempo, y que se adapta a todo estilo.
Los puntos que le dan un toque distintivo a esta nueva etapa vendrán en los arreglos de pianos, a cargo de Flea y de Klinghoffer ("Police Station"), con Kiedis en un simil Eminem ("Even you, Brutus?"), con Flea en trompeta ("Did I let you know"), y con unos arreglos electrónicos en un cierre bailable que recuerda (made in Argentina) a las exploraciones babasonicas ("Factory of Faith"). Todo esto mezclado y, sobre todo, adaptado al sonido Peppers, hace que el disco tenga ciertos toques novedosos que, si bien no significan un renacer, demuestran que les quedan varios años de (buena) vida.