Medio objetivo

"Excursión al Zoo", de Izquierda Champagne

2012-01-27T11:29:00.000-08:00

"Excursión al Zoo" (2010) es el disco debut de Izquierda Champagne, en el que incursiona en el rock con tintes funk y algunos (los menos) pop, y con una fauna propicia, donde el Zoo no es más ni menos que el mundo entero.
La banda está liderada por el "Tano" Mugnolo (también conocido como Paco Belfiore), un líder carismático (piensen en la primera banda que se les venga a la cabeza con un tano a la cabeza y todo lo que eso significa, y ya se van a hacer una idea del señor, salvando las distancias, claro), que se hace cargo de la voz, el teclado, y las letras, en las que juega con personajes y situaciones, utilizando el humor y la ironía como herramienta principal.
La banda se completa con Juan Carena (batería), Martín García Reinoso (guitarra y coros), Nicolás Simone (guitarra) y Ramiro Vulijscher (bajo).
El mismo Mugnolo (o Belfiore, como gusten) pareciera ser el protagonista de dicha excursión que incluye noches largas ("Trago duro"), un viaje funky por Río con un objetivo claro ("Hola minina, tudo bem. Dicen que en Brasil se coge"), personajes adicionales no menos importantes ("La Droguería de Nick"), crítica social a su manera ("Pobres contra pobres"), homenaje idiomático a sus orígenes ("La desgracia de Non Nicola"), y una noche lisérgica (a causa de estar aburrido del Counter Strike) en la canción que le da nombre al disco.
Ajeno al protagonismo que toma el "Tano" por su fuerza interpretativa y sus letras, la banda que hay por detrás (o al costado para ser justos) tiene presencia propia, y con un gran manejo de ritmos y climas dotan de un excelente nivel musical a cada una de las canciones.

En su primer disco, Izquierda Champagne mezcla virtuosismo, excentricidad y humor en la dosis justa, y deja las puertas abiertas a un futuro promisorio.

"Metamorfosis", de El Vuelo de la Grulla

2012-01-23T10:56:00.000-08:00

El Vuelo de la Grulla es el nuevo proyecto de Sebastián "Roger" Cardero, ex baterista de Los Piojos y uno de los pocos integrantes de la banda de Palomar que todavía no había sacado nada post separación (el otro es Micky Rodríguez, sin contar al guitarrista por horas, Juanchi Bisio). Pero el que espere encontrar alguna reminiscencia piojosa, que busque por otros lados, ya que nada de lo que sonará a continuación recordará aquellos tiempos. Ya desde el nombre del disco ("Metamorfosis") como el de la banda, que refiere al vuelo migratorio de la grulla, la banda deja en claro que lo que busca, como punto de partida, es un cambio, un volver a empezar.
Para esto, "Roger" se juntó con su hermano Fernando en bajo y Guillermo Cudmani, en voz y guitarra (ambos ex Audire), y sacaron, a fines del año pasado, su disco debut, en el que se mueven entre el grunge y la psicodelia, apoyados en un sonido que mezcla suciedad y potencia en perfecta armonía. La batería de Cardero tiene un protagonismo esencial (escuchar el comienzo del disco o el final de "Agua de mar" abalan esto), siempre bien acompañado por el bajo familiar, y la guitarra de Cudmani, que en su voz e interpretación recuerda por momentos al Skay solista.
Si los que buscan rastros piojosos siguen por ahí, escuchen "Chico viejo", dedicada a “Tavo” Kupinski, viejo compañero de banda que ya no está ("Chico izquierdo, chico viejo, no te puedo encontrar. Ya no estás, no estás. La marea que te aleja hasta otro lugar. Donde no puedo encontrarte, donde no puedo estar.."), pero los que realmente quieran conocer la metamorfosis, prueben con "Duerme niño", "Misiles" y "Sucede", que ahí van a encontrar el gen de este nuevo proyecto.

"Licenciado Cantinas", de Enrique Bunbury

2012-01-19T05:31:00.000-08:00

En el mismo camino que "Canciones para aliens" de Fito Páez (aunque sin el proyecto extraplanetario), Enrique Bunbury eligió 15 canciones para homenajear y repasar la música latinoamericana, zona geográfica en la que se encuentra a gusto y siempre es bien recibido.
Como una especie de disco conceptual, Bunbury arma una (típica) historia de amor/desamor, a través de la visión del que durante el proceso se convertirá en el Licenciado Cantinas (y que le dará el nombre al disco), una especie de macho/galán/sufrido/abandonado. Y para contar este tipo de historias, nada mejor que hacerlo a través de rancheras, tangos, chacareras y cumbias, que tan bien sabe interpretar.
La historia, que será convertida en un cortometraje por el director algecireño Alexis Morante (el próximo 20 de enero, lo presentará simultáneamente en España y América Latina, y se llama "Licenciado Cantinas The Movie"), va pasando por todos los estadios del desamor: del amor puro ("Somos hojas en el viento, juntos más alto subimos"), al despecho ("Para qué quiero vivir con el corazón deshecho. Para que quiero la vida después de lo que me has hecho"), pasando por los pedidos, a veces incomprensibles, del abandonado ("ódiame sin medida ni clemencia, odio quiero más que indiferencia porque el rencor quiere menos que el olvido"), para volver a la noche y convertirse en el nuevo álter ego bunburyano ("Cuando llegue el licenciado a la fiesta, todo el mundo lo va a contemplar. Y la negra más linda que encuentre, te aseguro la voy a enamorar"), claro que consciente de cómo llegó hasta ahí ("Si he venido a este mundo es pa sufrir, no puedo encontrar la dicha en la mujer, si me besan y me entregan su querer, se me alejan para hacerme un infeliz"), y que no terminará de la mejor forma ("En lo alto de la sierra, me detuve a descansar. Pero sentí que me iba sin moverme del lugar")
Entre los artista elegidos para homenajear, aparecerán Agustín Lara ("El mar, el cielo y tú"), Louie Ortega ("LLévame"), Alfredo Gutiérrez ("El Solitario"), y Atahualpa Yupanqui ("El cielo está dentro de mí"), entre otros.

Si bien, la idea de escuchar un disco de versiones no suele ser la más atractiva, el proyecto conceptual sumado a la buena musicalización y la siempre impecable capacidad interpretativa de Bunbury, hacen de "Licenciado Cantinas" un disco interesante, y la calidad de imagen del trailer/corte "Ódiame" deja con ganas de ver, por lo menos para saber cómo lo llevan, el corto con la historia completa.

Lo mejor de 2011 (el año antes del fin)

2012-01-12T10:59:00.000-08:00

Después de tomarnos unos días de debate (por eso llega unos días tarde) en una maravillosa playa caribeña (gastos a cargo del blog, claro), todos (?) los que hacemos Medio Objetivo definimos en voto unánime lo que nos parece lo mejor que pasó en materia musical en 2011. Para no salirnos de la clásica, aunque sin orden establecido, armamos una clase de podio, o sea, elegimos tres discos, tanto en el orden nacional como internacional. Estos son los ganadores (pueden pasar a buscar su premio):

Discos Nacionales:

- "La calesita de Mamanis", de Las Manos de Filippi
En este material, la banda liderada por Hernán "Cabra" de Vega reedita algunos de sus clásicos (esto hizo poner en duda su participación en los mejores discos de 2011) dispersos en sus diferentes proyectos y los revitaliza con un sonido actual, mezclados con temas nuevos, en lo que marca un nuevo comienzo para la banda.

- "Non Stop!", de Dancing Mood.
Disco triple formado por 46 canciones con las que intentan hacer una reconstrucción histórica del legado ska mundial, que va de las raíces jamaiquinas hasta las nuevas voces.
Participan, entre otros, Pauline Black ("Briston & Miami"), cantante de The Selecter; Rico Rodríguez, considerado uno de los trombonistas más importantes de Jamaica por el lado extranjero; y “Maikel” de Kapanga, Flavio Cianciarulo, y Pablo Lescano del ámbito nacional.

- "Mugre", de Acorazado Potemkin
Acorazado es un power trío formado por músicos de larga trayectoria en el Rock Nacional: Juan Pablo Fernández (Pequeña Orquesta Reincidentes) en la voz y guitarra, Luciano Esain (Valle de Muñecas,Motorama, Flopa Manza Minimal) en batería, y Federico Ghazarossian (Los Visitantes, Don Cornelio y la Zona, Me darás Mil Hijos) en el bajo.
En su disco debut, explotan al máximo un sonido de rock más clásico, apoyado en la lírica/interpretación de Fernández que regala la mejor canción del año ("La mitad") con la mejor frase, claro ("si es cierto que lo nuestro termina, si es cierto que hay que hacerle un final, entonces quiero que te lleves mi hombro izquierdo, que sin tu pelo no lo voy a usar jamás"), todo esto apoyado en el magnífico tándem Esain-Ghazarossian (apellido que obliga a Copiar/Pegar).

Discos Internacionales:

- "Angles", The Strokes
En su regreso tras 5 años de separación, en el que dejaron interesantes discos cada uno, The Strokes volvió con su rock garagero (y algo más), hicieron su mejor álbum desde su debut "Is this it", y como si fuera poco, vinieron y volaron cabezas a mansalva en un show impecable en GEBA.

- "Suck it and see", de Arctic Monkeys
Cuarto disco de los Monos del Ártico, una de las bandas inglesas más interesantes de los últimos años, que, si bien con el correr de los años fueron bajando decibeles y compases, sobre todo si uno los compara con el maravilloso (e indispensable) "Whatever People Say I am That's What I'm Not", vuelven a regalar un puñado de buenas (rockeras) canciones. Y encima, el año que viene (que es este) lo vienen a presentar.

- Noel Gallagher's high flying birds
En su debut solista, tras la separación de Oasis, Noel Gallagher, explota al máximo su capacidad para hacer grandes canciones, y demuestra con creces por qué era considerado la mitad más uno de aquella banda. Igualmente, vale la pena escuchar el disco de su hermano y cía.

Shows a los que deberían haber ido, sino fueron, claro:

Nacional:
Alvy, Nacho y Rubin llegaron al ND Ateneo con su segundo disco de versiones argentinizadas de las "69 love songs" de Stephin Merritt, y dieron un show perfecto (jipi), con invitados varios, y un sonido fiel al de las grabaciones.

Internacional:
Ya fue comentado en el disco, pero lo que hizo The Strokes en su show en GEBA estuvo más allá de toda expectativa. Solo necesitaron de una hora y media para dar una clase de cómo se da un show valiéndose solo (?) de su música (ahí tenés U2).

"Contra la pared", de Viejas Locas

2012-01-11T12:00:00.000-08:00

Para darle un motivo más consistente (o intentar hacerla más interesante) a esta nueva etapa que comenzó en 2009 con aquel (conflictivo) show en Vélez, Viejas Locas lanzó a fines del año pasado "Contra la pared".
En este nuevo material, la banda vuelve al rock crudo/barrial que la caracterizó (salvo en el sorpresivo flamenco "Un frasco vació" con tintes sabineros), y Pity a desnudar sus vivencias en las letras, en el papel de compositor-protagonista de la banda sonora de su vida. Y dentro de este "volver a empezar" rescatan varias canciones anteriores a su disco debut ("Viejas Locas", 1996) que nunca fueron grabadas ("Ella no me quiere creer", "Roca y giro", "Tirado en la estación", "Guacho caracú").
A lo largo del disco, Viejas Locas muestra, en algunos (escasos) momentos, una madurez musical que le permite jugar (o rozar) con un sonido cercano a AC/DC ("Contra la pared"), pasar de los Rolling Stones a una especie de "Celebration" de Kool & The Gang ("Bailando en el infierno"), mezclar un rock puro con coros sesentosos y un estribillo con Vocoder de tintes reggaetoneros ("Ella no me quiere creer"), y hasta meter el famoso arpegio de "Rezo por vos" en una canción biográfica ("En problemas"). Pero en otros (la mayoría) vuelve a caer en un sonido monótono en el que pareciera auto plagiarse, y Pity, aquel poeta barrial que tiene grandes composiciones en su haber y que tiempo atrás supo convertir la simpleza en genialidad, esta vez no lo logra, y la simpleza queda en eso: simpleza pura.

En estos tiempos donde todas las grandes bandas recurren a sus grabaciones descartadas para sacar ediciones de lujo, a veces hay que recordar el por qué fueron dejadas de lados, y volver a cerrar el cajón.

"Canciones para aliens", de Fito Páez

2012-01-05T10:47:00.000-08:00

Desde que perdió su lugar entre los mimados del rock (de esto ya hace tiempo), Fito Páez se dedicó a darse gustos, y a preocuparse menos por las críticas. Estas libertades lo llevaron a hacer grandes cosas que, masivamente, pasaron desapercibidas, pero a la vez, las mismas libertades pueden ser las (únicas) que expliquen el porqué de su nuevo disco, "Canciones para aliens".
En este, junto a Leo Sujatovich y gran elenco, el rosarino recoge "las canciones más hermosas del mundo", entre las que, curiosamente o no, no hay ninguna de su amplia discografía, y las reversiona libremente, con traducciones polémicas incluidas.
Así, puristas abstenerse, Páez se anima a meterse en la piel de Freddy Mercury en una versión mucho más que libre de "Somebody to love" ("Las dos caras del amor"), en la de Dylan en "Ring them bells" ("Doblen Campanas"), y llega a límites insospechados para el "Va, Pensiero" de Giuseppe Verdi y "Rata de dos patas" de Eduardo Norberto Toscano (escucharlo como recita el "cuanto te odio y te desprecio" le dará bronca hasta el más "Fitopaezista")
Sin embargo, el disco regala algunos buenos momentos, sobre todo cuando Fito se mueve entre los ritmos y artistas que más se acercan a su estilo, como en "Un beso y una flor", para los más grandes inmortalizada por Nino Bravo, para los más jóvenes por Seguridad Social; en "Construcción" de Chico Buarque, quién además participa en "Tango (Promesas de amor)" de Ryuichi Sakamoto; o cuando respeta las originales ("Yo no quiero volverme tan loco" de Charly García, "Fiesta" de Joan Manuel Serrat y "El breve espacio en que no estás", de y junto a Pablo Milanés).
Según las palabras de Páez, este sería el primero de una serie de discos que harán junto a Sujatovich en los que incluirán "otras canciones de otros lugares y otros autores". Además, en estos días, "Canciones para aliens", a través del proyecto "Música al espacio", una iniciativa conjunta entre Sony Music y la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), será transmitido al espacio exterior (de ahí el nombre del disco). Como la primera impresión solo se puede dar una vez, y en este caso, si es que hay alguien allá afuera, será a través de la música, esperemos que ya les haya llegado el envío Beatles.

"Noel Gallagher’s High Flying Birds"

2011-12-16T10:56:00.000-08:00

Lo único bueno de que se separe una banda (sobre todo si te gusta) es la diversificación de proyectos que, en algunos casos, dan varios buenos frutos. Algo así ocurre con Oasis. Por una lado, todos los ex menos Noel armaron Beady Eye que sacó este año "Different Gear, Still Speeding", un interesante disco que mezcla rock de todas las épocas con el sonido de la banda madre, y que, claro, tiene el plus de contar con Liam al frente.
Ahora el que sale a la pista es quien se quedó afuera de dicho proyecto. El Gallagher conocido como la cabeza compositiva detrás de una de las grandes bandas inglesas (y del mundo) de los últimos años debuta con su "Noel Gallagher’s High Flying Birds" y regala uno de los mejores discos del año.
La libertad de esta nueva etapa parece haberle funcionado de maravillas a Noel, ya que mezclando temas nunca editados por Oasis ("Stop The Clocks", "(I Wanna Live A Dream In My) Record Machine") con grandes composiciones nuevas de esas que lo hicieron brillar en su anterior proyecto ("If I had a gun", "Aka...Broken Arrow", "(Stranded On) The Wrong Beach"), el mayor de los Gallagher reafirma por qué es considerado uno de los mejores compositores de la historia. Y encima, si bien ya había dado muestras, se destapa como un gran cantante (o al menos interprete). Claro que tiene una banda de apoyo que suena a la perfección y que se amolda perfectamente a la búsqueda sonora del ex Oasis.
Acorde a los que creen que la muerte es solamente un cambio de estado, Noel, en "The death of you and me", primer corte del disco, deja en claro cómo se toma este momento: "Forever we’d be free, free to spend our whole lives running from people who would be the death of you and me" o "Siempre vamos a ser libres, libres de pasar toda la vida escapando de personas que pueden ser nuestra muerte". Y dentro de esta nueva etapa, confirma todo lo que se pensaba/esperaba de él, y a pesar de estar bien acompañado, demuestra que lo único que necesita para seguir adelante es una guitarra.

"Hacer un puente", de La Franela

2011-12-02T12:35:00.001-08:00

"Hacer un puente" es el segundo disco de La Franela, la banda liderada por Daniel "Piti" Fernández, ex guitarrista de Los Piojos. En este nuevo trabajo la banda sigue explorando el rock, mezclado con el ska y el reggae, con un sonido que recuerda a las últimas épocas de la ex banda de "Piti". Y las reminiscencias y menciones del pasado no se encuentran solo en el sonido sino que están presente en varias de las letras ("No me engañan nunca más (...) Lo siento mucho, solo quiero andar el camino sin mirar atrás"). Incluso "GPS", a pesar de estar dedicada a su hijo Antonio, pareciera remitir a "Micky" Rodríguez, ex compañero de Los Piojos, y sus nuevos pagos, y en el cierre se puede escuchar la última grabación de Gustavo "Tavo" Kupinski con su bandoneón.
A pesar de algunos cambios en la formación que grabó el primer disco (salió Chucky de Ipola y los teclados quedaron totalmente a cargo de Martín "Tucán" Bossa, que esta vez se anima también a componer, y Facundo Farías Gómez a cargo de la percusión en lugar de Diego Chávez), el sonido de la banda no parece haber sufrido alteraciones pero a la vez no ofrece mayores novedades. Encima la prosa de "Piti", quien supo escribir varios de los grandes clásicos de Los Piojos (se hace imposible no comparar), sorprende con momentos de simpleza extrema ("Pago el peaje, soy cero salvaje"), aunque como siempre deja algunos buenos pasajes.
Dentro de esto, los puntos más interesantes aparecen por el lado rockero, un rock cancionero, claro ("Lo nuevo", "Sirena" y "Las horas"), en su faceta más relajada ("Hacer un puente") o cuando se animan al ska irónico/crítico (es menester ver el video) en "Price for freedom".
"Hacer un puente" continúa la línea de "Después de ver", y deja en claro que La Franela nace de la necesidad de libertad de "Piti" (“En vez de murallas, alambrados, vallas, en vez de muros que separan, que excluyen, que expulsan: hacer un puente”). Y dentro de esta libertad, se los nota cómodos.

"Piel y hueso", de La Vela Puerca

2011-11-11T12:10:00.001-08:00

"Piel y hueso" es el nuevo disco de La Vela Puerca. Al igual que lo que hicieron en su anterior placa, "Normalmente anormal" (CD + DVD), que separaba por una parte la visceralidad del show en vivo, y por otra el formato acústico con canciones inéditas, este nuevo material está dividido en dos ("uno y medio" dirán ellos): un lado rockero, y un segundo en un plan más relajado.
Así, en la primera parte, La Vela explota todo su potencial eléctrico, con un sonido ya alejado del ska/reggae que caracterizaba sus primeras dos placas ("Deskarado", "De bichos y flores"), pero también de la oscuridad de "El impulso", aunque mantiene el gen rockero que sobrevolaba toda su discografía. Y dentro de este estilo es donde Sebastián "Enano" Teysera y Sebastián "Cebolla" Cebreiro muestran su lírica contestataria y aparecen los mejores momentos del disco, como en "Sobre la sien", en la que el "Enano" hace catarsis con su público, el corte "La teoría", y "Todo el karma", la gema del disco, con un combo letra/música impecable.
En la segunda parte, que contiene solo seis temas (por eso lo de "disco y medio"), abordan el formato acústico que tan bien saben manejar desde sus inicios, y que a lo largo de toda su historia dejó varios de los grandes momentos de la banda ("Contradecir", "Zafar", "En el limbo", "Para no verme más", "Semilla"). Acorde a esos clásicos se destaca "Sé a dónde quiere ir", con una hermosa letra de despedida, y la fuerza/melancolía que el "Enano" sabe generar sólo con una guitarra, a pesar de que en esta oportunidad está acompañado de arreglos de vientos y cuerdas.
En una época donde las ventas de discos no para de bajar (esto nunca se dijo, ¿no?), La Vela Puerca se anima a más, y no solo edita un disco ambicioso, sino que se desdobla para lograr mostrar todos sus costados, o al menos, los que hoy los representan.

"Superheavy", de Superheavy

2011-10-28T12:31:00.000-07:00

El adelanto era promisorio. Un reggae ("Miracle Worker") en el que se mezclaba la dulce voz de Joss Stone, la cadencia jamaiquina de Damian Marley, y el estilo inconfundible de Jagger, hacían prever un gran disco. Sin embargo, la expectativa no se iba a cumplir.
Superheavy, el nuevo (¿súper?) grupo formado por Mick Jagger, Dave Stewart (ex Eurythmics), Joss Stone, Damian Marley, y A. R. Rahman, compositor de la banda sonora de la película "Slumdog Millionaire", acaba de editar su disco homónimo.
La idea mentora de la unión de estos músicos pareciera ser la mezcla de estilos y culturas en busca de un sonido diferente. Dentro de esta búsqueda, la banda recuerda por momentos a Black Eyed Peas ("Satyameva Jayathe", "Beautiful People", "Energy"). Pero, cumpliendo una de las grandes máximas del fútbol, la suma de las individualidades no hace un equipo.
En Superheavy, cada uno de los integrantes se luce dentro del estilo por el cual es conocido, sin lograr integrarse o adaptarse al resto, y, por lo tanto, nunca llegan a sonar como una banda sólida.
A pesar de esto, el talento gana por momentos, y hace aparecer un par de gemas destacables, sobre todo cuando se juntan las voces de Jagger y (que ironía) Stone, como en la sufrida "One day one night", en la que se mezclan en un dueto final épico; en la rockera "I can't take it no more", con reminiscensia a U2; o en "I don't mind", con homenaje a Eurythmics incluido. También, cabe destacar "Common Ground", un ska con arreglos de violines, que viene solo en la versión deluxe.
Si bien "Superheavy" no cumple con la expectativas, más que nada para los que las tenían, vale la pena escucharlo, y, en esta época de adictos al random, dejar un par de temas en la lista.

"Baldíos Lunares", de Juanse

2011-10-21T08:08:00.001-07:00

Sorprende desde el primer minuto. Y eso ya es bueno. "Baldíos Lunares", el nuevo (tercer) disco como solista de Juanse, tras una separación (?) polémica de Los Ratones Paranoicos, arranca con una de las canciones más tranquilas de las que se lo ha escuchado cantar, con una guitarra acústica al frente y arreglos de cuerdas incluidos ("El sol"). Como si fuera poco, lo siguiente será un reggae en tono comedia ("Samurái"), en el que contará la historia de su tintorero samurái, con la participación estelar de, ni más ni menos, que Diego Arnedo en bajo.
Claro que también habrá tiempo para volver a sus raíces rocanroleras y revisar el sonido paranoico, pasando desde los primeros tiempos más crudos ("Algo sucia", con la participación de Deborah Dixon, "El fuego" con "Bocón" Frascino, "Baby doll"), a la última época cancionera ("Tomates", "Solo una vez más"). Pero incluso, dentro de este revisionismo, Juanse encuentra la manera de volar un poco más, como en "Descomposición", tema con tintes stones que también incluye arreglos de cuerdas y en el que el ex líder de Los Ratones incursiona en el saxo, o en "Carne radioactiva", con algunos dejos jazzeros.
Y si nada de esto logró sorprenderlos, para el final, Juanse, admirador confeso de Spinetta, se guarda una bomba, y se despacha con una versión disco de "Gabinetes espaciales", clásico de Almendra, que generará alguna polémica, sobre todo entre los puristas.
Si bien, prejuicios de por medio, todo parecía indicar que "Baldíos Lunares" sería una secuela de la discografía paranoica, Juanse muestra en este material una búsqueda sonora, al menos de a ratos, diferente, que resulta en un interesante primer paso en esta nueva etapa.

"Mugre", de Acorazado Potemkin

2011-10-11T12:54:00.000-07:00

"Mugre" es el disco debut de Acorazado Potemkin, un power trío formado por músicos de larga trayectoria en el Rock Nacional: Juan Pablo Fernández (Pequeña Orquesta Reincidentes) en la voz y guitarra, Luciano Esain (Valle de Muñecas,Motorama, Flopa Manza Minimal) en batería, y Federico Ghazarossian (Los Visitantes, Don Cornelio y la Zona, Me darás Mil Hijos) en el bajo.
En una época donde la multiplicidad y el mestizaje sonoro parece ser el paradigma, Acorazado decide romper los esquemas para volver a un formato/sonido clásico, y con (¿sólo?) tres instrumentos armar uno de mejores discos del año.
Con la fuerza interpretativa de Fernández, esa voz que mezcla el tango y el rock en el mismo registro, y que acompaña genialmente el fraseo de sus guitarras, apoyado en la sólida base que arman Esain/Ghazarossian, el trío se mueve dentro de una atmósfera oscura que le hace honor al nombre, tanto del disco como de la banda. Y dentro de ésta atmósfera, Acorazados muestra una gran capacidad para generar y transmitir una interesante variedad de climas, dándole/se el protagonismo necesario a cada uno para lograrlo. Así, en "La mitad", la banda introduce al oyente en un clima asfixiante que se complementa con la letra, y en el que Fernández explota su poder lírico ("si es cierto que lo nuestro termina, si es cierto que hay que hacerle un final, entonces quiero que te lleves mi hombro izquierdo, que sin tu pelo no lo voy a usar jamás"); en "Puma Thurman" muestran como contar una historia, con dejos Bioycasarescos, en una canción; en "Caracol" y "Quiero" se despachan con rocanroles más setentoso; y en "Los muertos" homenajean a los mismos, como una señal más de que en el lado oscuro es donde se sienten cómodos.
A pesar de su sonido clásico, Acorazado se adapta a las nuevas generaciones y, sobre todo, a las actuales formas de distribución, y subió el disco a su página desde donde se puede bajar de forma totalmente gratuita, y legal (leer con el espacio, sino sonará como su antónimo). El link por acá.

"I'm with you", de Red Hot Chili Peppers

2011-09-23T11:23:00.000-07:00

"I'm with you", es el nuevo disco de Red Hot Chili Peppers después de 5 años de silencio (sin editar en realidad), y tras una nueva salida de la banda del intermitente John Frusciante. En su lugar ingresó Josh Klinghoffer, un joven multiintrumentista amigo de Frusciante, que tiene en su haber participaciones con Gnarls Barkley, Beck y PJ Harvey, entre otros. Ya los primeros segundos del disco serán una distorsión de la guitarra de Klinghoffer como una bienvenida y presentación a la vez. Sin embargo, los que esperen encontrar a unos nuevo Peppers, que se vayan olvidando. De no ser por el impacto mediático (¿no será mucho?) que tuvo la salida de Frusciante, en lo que respecta al sonido, no hay mayores diferencias, al punto de que muchas de estas canciones se podrían poner en alguno de los últimos discos, y nadie sentiría que están fuera de contexto. Klinghoffer pareciera haber aprendido demasiado del ex guitarrista y (¿a pedido/orden de la banda?) lo pone todo en práctica.
Igualmente, esto no le quita mérito, ni hace menos interesante "I'm with you".
Hace años los Peppers encontraron su camino, y este disco se enmarca dentro del mismo, con la base del tándem asesino que forman Flea y Smith. Basta escuchar los primeros minutos de "Ethiopia" para ver como se entienden, o el final de la gema "Brendan's Death song", para notar como puede una batería tomar el protagonismo de una canción, donde lo importante no es pegar fuerte y mucho, sino lo justo y necesario. Todo esto adornado siempre con la voz de Anthony Kiedis, para el que parece no pasar el tiempo, y que se adapta a todo estilo.
Los puntos que le dan un toque distintivo a esta nueva etapa vendrán en los arreglos de pianos, a cargo de Flea y de Klinghoffer ("Police Station"), con Kiedis en un simil Eminem ("Even you, Brutus?"), con Flea en trompeta ("Did I let you know"), y con unos arreglos electrónicos en un cierre bailable que recuerda (made in Argentina) a las exploraciones babasonicas ("Factory of Faith"). Todo esto mezclado y, sobre todo, adaptado al sonido Peppers, hace que el disco tenga ciertos toques novedosos que, si bien no significan un renacer, demuestran que les quedan varios años de (buena) vida.

"La parte de los ángeles", de Iván Noble

2011-09-16T13:45:00.000-07:00

En su nuevo disco, "La parte de los ángeles", Iván Noble se estrena en la siempre prolífica faceta del recién separado. Así, al papel del eterno perdedor que tanto le gusta personificar (un perdedor con más victorias que muchos campeones), y que tan bien le queda desde las épocas Caballeras, se le suman nuevas vetas relacionadas con esta etapa: el melancólico ("De un solo lado del colchón"), el nuevo soltero, con algunas dosis machistas ("Si supiera cual es mi vaso"), y el despechado ("El chico de los mandados"), entre otros. Estas nuevas personalidades hacen que el disco transite dentro de un clima nostálgico, con once historias contadas (y cantadas) en primera persona, en un tono confesional.
De esta manera, el ex Caballeros de la Quema sigue explorando el rock cancionero, más cercanos a sus dos primeras placas, con algunos toques funky/jazzeros, de la mano de Mariano Otero que en esta oportunidad, además de ser el productor (había participado en "Dicho y hecho"), se hace cargo de las guitarras.
El disco además cuenta con varios invitados entre los que se destacan Fito Páez en "Parte por parte", canción que parece hecha especialmente para el rosarino, con reminiscencias a su música, Javier Malosetti en "Cuentas claras", y Sebastián Wainraich, que se despacha con uno de sus monólogos en "Ella se muere".
En "La parte de los ángeles", Noble convierte una crisis ("Oportuncrisis", diría Homero) en arte, siempre apoyado en la sólida base que le dan sus letras (por primera vez en su etapa solista, las canciones son todas suyas), con esa mezcla de tanguero/bohemio/rockero/hedonista, y, a pesar de tener algunos puntos flojos, demuestra ser uno de los cantautores más interesantes de la actualidad.

"Non Stop", de Dancing Mood

2011-09-09T11:52:00.000-07:00

Dancing Mood acaba de editar el disco triple "Non Stop", uno de los proyectos más ambiciosos dentro de la escena local en años (por supuesto siempre viene a la memoria Calamaro en estos casos). Este nuevo material está formado por 46 canciones con las que intentan hacer una reconstrucción histórica del legado Ska mundial, que va de las raíces jamaiquinas hasta las nuevas voces.
Para esto, la big band argentina, además de contar con la participación de la Orquesta Deluxe, que los acompaña desde hace algunos años, invitó a grandes figuras extranjeras y nacionales, de forma tal de hacer más real el recorrido.
Así, en el primero de estos tres discos aparecen, Pauline Black ("Briston & Miami"), cantante de The Selecter y estandarte del 2 Tone; Dennis Bovell ("Chose me"), quién además estuvo a cargo de seleccionar algunos cantantes para la lista de temas elegida por Hugo Lobo para el disco; y Rico Rodriguez, considerado uno de los trombonistas más importantes de Jamaica, y que acá pone voz y trombón para una versión del irrompible "Wonderfull world". También pasarán autores de la talla de Charlie Parker ("Au Privave"), Chuck Mangione ("Feel so good"), Mile Davis ("Four") y Bob Marley ("Do you remember"). Entre los créditos locales se destaca la participación de “Maikel” de Kapanga en el tema que le da nombre a la trilogía, y que es de autoría de Lobo, y de Flavio Cianciarulo, que pone su bajo en dos temas ("Do Nothing", "Bristol & Miami").
Si bien se dice que la suma de figuras no hace un equipo, sino recuerden aquel Boca de Carlos Salvador Bilardo o el Atlanta de Oscar Martínez, en esta ocasión dichas figuras están acompañadas por una banda con una calidad musical que además de recordarlos, hace que se luzcan. Y esto es solo el principio.

"Singularmente", de Pampa Yakuza

2011-08-24T11:35:00.000-07:00

Fieles a su rito de un disco cada dos años ("Carnaval para tu desconsuelo" en 2003, "Orilla" en 2005, "Unicoysentido" en 2007, "Naturaleza revivir" en 2009), Pampa Yakuza acaba de editar "Singularmente". En este, la banda continúa ahondando en la variedad de ritmos de la que hicieron su estilo, con el rock y el reggae como línea principal, pero incorporando otros colores de la mano de carnavalitos, chacareras y candombe.
Ya los primeros acordes del disco ("Acertijos"), con el charango de Luciano Katz como apertura, es una muestra de la búsqueda constante de sonidos que caracteriza a la banda y de la heterogeneidad que le da la diversidad de voces. Incluso Katz, que ya había participado como compositor, en este se anima y se pone al frente unos minutos en "Alma en pena".
Dentro de esta variedad, y haciéndole honor a su pasado, Pampa incursiona en el ¿jazz?, ¿ska?, en "Mediotización", con su dura crítica a los medios ("mediatización, que idiotiza la razón. Llanura intelectual, stress express"), en la cumbia ("Que bien te va"), la chacarera ("Paisano del adoquín"), y el rock más cancionero, en la melancólica "Viejos conocidos".
Sin embargo, lo mejor aparecerá cuando el cantante, Hernán Saravia, se ponga introspectivo, y exorcice viejos (o no tanto) fantasmas en "Arlequines", unas de las gemas, no solo del disco sino de la historia de Pampa, que está musicalizada a la perfección, y que genera uno de los climas más intensos y oscuros del disco.
Con casi diez años de trayectoria, en este nuevo material, que cuenta con la producción de "Pepe" Céspedes y "Osky" Righi (Bersuit Vergarabat), Pampa Yakuza muestra una clara evolución en su sonido y se consolida como una de las bandas más importantes del under local.

“Alvy, Nacho y Rubin interpretan a Los Campos Magnéticos. Volumen 2”

2011-08-10T16:00:00.000-07:00

El título era premonitorio: "Alvy, Nacho y Rubin interpretan a Los Campos Magnéticos. Volumen I". Y para los que conocen la obra original, "69 love songs" (disco triple), era aún más.
El trío formado por Alvy (Alvy Singer), Nacho Rodríguez (Onda Vaga) y Sebastián Rubin (Rubin y los Subtitulados) editó este año el "Volumen 2", en el que reinterpreta 13 canciones de Stephin Merritt, lider de The Magnetic Fields, y autor intelectual de "69 love songs". Para este material, también cuentan con la aprobación de Merritt e incluyen temas de otras obras como "La Plegaria de la Monja" del álbum Distortion, con la hermosa voz de Eugenia Brusa de Les Mentettes.
Este nuevo disco, si bien ya no cuenta con el factor sorpresa del "Volumen 1", sigue manteniendo los puntos altos. Por un lado, la ironía que caracteriza la prosa de Merritt se conserva a pesar del traspaso de idioma, y se hace más cercanas gracias a la argentinización de algunos términos. Por el otro, la variada instrumentación (guitarras, violín, cello, mandolina, banjo, ukelele, acordeón y cajón peruano, entre otros) genera una diversidad de climas que aporta para refleja el espíritu de cada tema.
El orden de las canciones pareciera contar una historia (¿disco conceptual?. Es mucho quizás, pero...) de una pareja en crisis ("No supe ver que me mirás como un extraño. Que me mirás y no me ves"), y como pasan por todos los pasos posteriores a la separación: El desamor ("Ya no te quiero más), la necesidad de un cambio ("Necesito un corazón nuevo"), y, sobre todo, por los momentos de tristeza y autoflagelación psicológica de la soledad en "No creo más en el sol" ("porque brilla en los demás y nunca sobre mí"), "Con quien bailar" ("Mi vida no tiene sentido ya, solo estoy buscando alguien con quien bailar"), "Besando cosas" ("Yo sigo besando al espejo pensando en vos"), "Infinitamente tarde" ("Y se hace más tarde, y yo estoy tan solo, y caigo muy hondo y profundo en mi pozo"), y "Que gracioso" ("Todos saben donde estás, menos yo"). En el gospel "Besame con ganas", hace su primera aparición Brusa (¿es la nueva chica o la anterior?) cantándole al señor en alguna de sus formas, y volverá en la mencionada "La plegaria de la monja" en la que contará sus deseos ocultos ("Quisiera ser tu camarera, y andar con poca ropa por ahí"). El final será feliz, o al menos en así parece: "Si pudieras saber todo lo que te extrañé, seguro vendrás a dormir y ojalá que luego al despertar lo hagamos como conejitos todo el día sin parar" ("Hagamos como los conejos"). O por ahí nada de esto pasa, y solo son un puñado de canciones que hablan de amor, desamor y más. Habrá que escuchar.

"La calesita de Mamanis", de Las Manos de Filippi

2011-08-05T11:13:00.000-07:00

Agrupación Mamanis es uno de los tantos proyectos alternativos de Las Manos de Filippi que, abocado a las cumbias alucinógenas, en 1996 editó su primer (y único) disco, "Reír por no llorar", en el que apareció el exitoso "Himno del cucumelo". En 2008, con la participación de varias bandas como Fauna, Kumbia Queers, Imperio Diablo y Aztecas Tupro, hubo una reedición olvidable que llamaron "Remix por no llorar".
"La calesita de Mamanis" es el nuevo disco de Las Manos en el que se fusiona el espíritu contestatario que los caracteriza, con un estilo más cercano a aquel proyecto alucinógeno, y que resulta en un combo de ritmos festivos y letras irónicas.
En este material, la banda liderada por Hernán "Cabra" de Vega reedita algunos de sus clásicos dispersos en sus diferentes proyectos y los revitaliza con un sonido actual. Así, pasan el grandioso "Jesús, el de la cruz", de "Las manos santas van a misa", "Borracho 14" de Che Chino ("Tango Argenchino", 2001), otro de sus proyectos, en esta oportunidad con la presencia del "Mono" y "Maikel" de Kapanga, y "El hincha pelotas", canción de autoría del Cabra, que se hizo conocida por medio de Los Tipitos.
Pero claro, también hay tiempo para nuevas situaciones y personajes como "Mountain Bike", con la participación de Jorge Serrano (y Brenda Asnicar en el video), corte del disco, "Un cagado en el bondi" que contará las diferencias de desgraciarse en la ciudad o en un pueblo, "El Patovica", que castigará al testigo que lo vio diciéndole a su perro salchicha "Venga con papá", y "La cumbia del peatón", en la que descargará toda su violencia contra la bocina (y algún palo para el Estado, como para no perder la costumbre).
Además, para no olvidar su lado más comprometido, el disco está acompañado del DVD "La tele no alcanza", en el que la banda muestra sus diferentes actividades sociales entre las que se encuentra el show de Plaza de Mayo en repudio al asesinato de Mariano Ferreyra, su participación en Honduras en el festival Voces contra el golpe, y sus colaboraciones con Zack de la Rocha, de Rage Agains The Machine, y Rene, de Calle 13.

"Salmonalipsis Now", de Andrés Calamaro

2011-07-22T12:59:00.000-07:00

Dentro de los festejos por los 10 años de la edición de "El Salmón", que arrancaron el año pasado con la edición virtual de un disco con 18 temas "ineditóxicos", y el regreso a las épocas de verborragia musical radiosalmónicas que se plasmó en la subida de covers varios a su blog, Andrés Calamaro acaba de editar "Salmonalipsis Now".
En este, el ex Rodríguez resume su quíntuple obra (103 temas), en un disco doble con 54 canciones, 49 que formaban parte de "El Salmón" y 5 nuevas. Aunque, en realidad, decirles nuevas no es del todo cierto, ya que una es el clásico Redondo "Superlógico", y "Feliz cumpleaños" ya había aparecido en el disco original, versión instrumental ("H.M.Q.D.E.P.") Entre estos temas, el más destacado, y que mantiene el espíritu de aquellos años, es "Música lenta", una oda a este tipo de música y sus efectos.
Por lo tanto, lo más interesante de esta nueva edición está en el revisionismo que, sobre todo para los que solo se quedaron con el primer "dedo", que se vendía por separado, o los que nunca se animaron a entrar en el mundo salmón, encontrarán viejas gemas que estaban en el resto de los discos como "La verdadera libertad" (que les sonará conocida), "Jugando al límite", "Aguas peligrosas" o la visceral "Un poco de diente por diente", sumadas a los ya grandes clásicos "El Salmón", "Días distintos", "Tuyo siempre" (en su hermosa versión original), "No se olvidar" y la oscura "Tu pavada", entre otras.
Como contraposición, los viejos salmoneros no encontrarán novedad alguna más que los temas mencionados ("Ringo y Alberto" y "Mi nariz" completan las 5), y una reversión olvidable del grandioso "All you need is pop".

"Material defectuoso", de Extremoduro

2011-07-13T11:00:00.000-07:00

Extremoduro irrumpió en la escena del rock español hace ya más de 20 años con su autodenominado rock transgresivo (nombre también del disco debut), mezcla de transgresor, progresivo y agresivo, que se hacía presente tanto en las letras de Roberto "Robe" Iniesta (es de escucha cuasi obligatoria "Jesucristo García", himno apócrifo de esas primeras épocas) y en su fuerza demoledora como power trío con guitarra al frente.
Este año, ya con su sexta formación (la misma desde 1997), acaba de editar su decimoprimer disco (décimo de estudio), "Material defectuoso". En este, Extremoduro parece haberse alejado de su época más podrida para dedicarse a un rock progresivo mid-tempo, más cercano a "La ley innata", su trabajo anterior, y del que ya había dado muestra en pequeñas dosis a lo largo de toda su obra.
La incursión en la literatura ("El viaje íntimo de la locura") de "Robe", parece haberle dejado rastros y, sobre todo, ganas de escribir, ya que en estos últimos trabajos muestra extensas (e interesantes) letras, que resultan en canciones largas ("Material defectuoso" con solo 6 temas dura 43 minutos) en las que la banda aprovecha para lucirse, y mostrar una gran versatilidad, modificando el rumbo y cambiando los ritmos dentro de las mismas canciones, con el valor agregado de buenos arreglos de vientos y cuerdas, que les dan un color diferente.
Si bien el lado sucio y desprolijo de los primeros años de Extremoduro fue lo que los hizo conocidos, este nuevo costado, más dedicado a la canción, tiene su encanto, y muestra una banda más madura, aunque siempre con esa rebeldía juvenil que los caracteriza (y que tanto gusta).

"Nueva ola", de Señor Flavio

2011-06-29T11:29:00.000-07:00

"Nueva ola" es el primer disco de Señor Flavio, el nuevo proyecto solista de Flavio Cianciarulo, bajista de Los Fabulosos Cadillacs, que, al igual que en Misterio, es acompañado por su hijo Astor en batería. Párrafo aparte (oración mejor) para el pequeño Cianciarulo (13 años) que, a su corta edad, muestra estar a la altura de la circunstancia.
El nombre del disco hace referencia al New wave, estilo derivado del punk con tintes reggae/ska que fue furor a fines de los '70 y los '80, y que Flavio intenta revitalizar con un sonido actual.
Pero a pesar de que las 12 canciones que componen "Nueva ola" transmiten un clima relajado y playero, bien a lo Cianciarulo, lo hacen dentro de una monotonía, y un combo de ritmos pegadizos y letras simples que no dejan que el disco despegue del todo. Incluso Flavio se hace cargo, sobre todo de las letras, en "Malos tiempos para las buenas canciones", uno de los mejores temas, en el que se pone (¿auto?) crítico de la música actual: "Malos tiempos para las buenas canciones, que ha pasado, nos hemos enfriado. Los bohemios andamos desangelados (...) Mucho poeta, tan poca poesía en el Facebook. Son malos tiempos".
Los momentos más interesantes llegarán de la mano (o la voz) de los invitados que le brindan un color diferente con sus interpretaciones: Wallas (Massacre) en "Olas", Manuel Quieto (Mancha de Rolando) en "Doctor" y Guillermo Bonetto (Los Cafres) en "Dulce Babalú", donde se luce en un registro muy distinto al acostumbrado.

"A propósito", de Babasonicos

2011-06-15T13:14:00.000-07:00

Hay un eterno debate entre los seguidores y críticos de música al escuchar un disco nuevo de una banda con alguna trayectoria. Si en las nuevas canciones reconocen algún sonido similar a lo anterior, saldrán rápidamente indignados a vapulearla al grito de "siempre lo mismo". Por otro lado, si la banda explora otros caminos, ritmos o un acorde diferente a lo acostumbrado, ahí ya la cosa se pondrá más brava, y le saltarán al cuello enojados, esgrimiendo que "se vendieron, que cambiaron, caretas", y epítetos similares (es cierto que algunas parecieran haberlo hecho, pero eso es para otro artículo o para una hermosa discusión a altas horas de la madrugada)
Babasonicos, en sus más de 20 años de carrera, hizo caso omiso a estos debates, y se dedicó a hacer lo que quería; Cambiar o seguir el mismo camino, siempre acorde a su antojo.
"A propósito", su nuevo trabajo, sigue en la línea de sus discos post "Jessico" con esa mezcla de pop cancionero/bailable/glamoroso con algunos rastros rockeros.
En esta contexto, el rock (rock a lo Babasonicos, claro) se hace presente en "Fiesta popular", que con su ritmo y letra plagada de ironía dargeliana ("Chicas ricas, no le tengan miedo, esto es solo una fiesta popular") se perfila como posible hit. También el pop más electrónico aparecerá en canciones que mutan en sí mismas de forma casi hipnótica ("Tormento", "Muñeco de Haití").
Sin embargo, lo mejor vendrá cuando la voz de Dárgelos tome la posta, se funda con la melodía y, apoyada en su prosa, en algunos casos genial ("Pon un precio a tus anhelos y buscame hacia el final de la noche por un rio de escotes con la lágrima cruda comprendiendo lo que nos faltó decir"), en otros más simple ("Quiero que te saques la ropa y que sigas siendo mala en pelotas porque sí"), generen los momentos más intensos del disco ("Flora y fauno", "En Privado", "Barranca abajo", "Chisme de zorro")
A pesar de que ya no cuentan con el factor sorpresa de sus primeras épocas, Babasonicos sigue firme en su camino de exploración (o de re-exploración) del que hizo un estilo, y, novedoso o no, lo hace con un gran nivel.

"Let them talk", de Hugh Laurie

2011-06-03T07:48:00.000-07:00

La incursión de ciertas personalidades en una disciplina diferente a la cual los hizo conocido genera casi siempre algunos resquemores y prejuicios. Estos se ven acrecentados cuando el paso es de cualquier actividad hacia la música (casi siempre al canto). A decir verdad, la fauna local no ayuda mucho. Con solo recordar los casos emblemáticos de Nicole Neumann, Ileana Calabró y Belén Franchese, uno ni lo intentaría. Es verdad que estos son los más llamativos (y no de la mejor manera), pero ayudan a la contraposición.
En este caso, el que se animó al paso fue Hugh Laurie, más conocido como el satánico Doctor House. Laurie, actor, escritor ("The gun seller", 1996) y comediante, ya había participado como tecladista en Band From TV, un grupo de rock formado completamente por actores de series norteamericanas entre los que se encuentran Jesse Gordon Spencer (Dr. Robert Chase en Dr. House), Gregory Phillip Grunberg (Matt Parkman en Héroes), y Adrian Pasdar (Nathan Petrelli en Héroes). También había mostrado sus dotes musicales en algunos capítulos de la serie que lo hizo conocido.
Pero en "Let them talk", su disco debut, Laurie homenajea al blues de New Orleans, y para los que les (nos) quedaba alguna duda, lo hace más que bien. Basta escuchar, luego de una gran introducción, la explosión de la voz del Dr. House en una hermosa versión de "St. James Infirmary" para convencerse de lo bien que encaja en el estilo. Y ya que las luces del disco caerán más que nada en él, cabe destacar que no solo canta bien, sino que además toca el piano y la guitarra. Claro que cuenta con el respaldo de una banda de sesionistas que suenan a la perfección, y que dejan todo sembrado para que se luzca.
De esta manera pasarán Louis Armstrong, Lead Belly, Ray Charles y James Booker, entre otros. Una buena selección de clásicos que, al venir de una voz conocida, puede funcionar como una puerta de entrada para los que no son tan amantes del blues o como una mirada diferente para los viejos bluseros.
Acorde a su personalidad/personaje irónico, Laurie dijo acerca de su disco y su nueva faceta: “No comprás pescado en el dentista o le pedís al plomero consejo financiero, entonces ¿por qué escuchar a un actor que canta? La respuesta es: No hay respuesta. Si te importan el origen, la procedencia y la genealogía, entonces deberías buscar en otro lado, no tengo nada para ofrecerte, nada que te interese". No le presten atención. Vale la pena escucharlo.

“El progreso”, de Pablo Dacal

2011-05-27T11:38:00.000-07:00

El cantautor Pablo Dacal acaba de editar su debut solista, "El Progreso". Aunque en realidad, hablar de solista es faltar un poco a la verdad.
Luego de encabezar a La Orquesta de Salón con la que editó dos álbumes ("13 Grandes Éxitos" en 2005 y "La Era del Sonido" en 2008), parece haberle quedado el vicio de la orquesta y convocó a más de 20 músicos (entre los que se encuentran el guitarrista Carlos Vandera, el multiinstrumentista y productor Ezequiel Cutaia, y las participaciones estelares de Fito Páez, Palo Pandolfo y Fernando Samalea) y una cantidad similar de instrumentos.
De esta manera, Pablo Dacal y cía. se sumergen en una variedad sonora y estilística en la que predomina un clima melancólico, acrecentado por la fuerte presencia de guitarras acústicas y las letras ad hoc (“Puede ser, es verdad, este mundo quiere terminar, mientras te vas de mí").
Dentro de un pop cancionero, Dacal (y cía., claro) se lucen mostrando una gran versatilidad adornada a la perfección por la diversidad de arreglos que incluyen vientos, cuerdas y percusión de todo tipo. Así el disco muta de la crudeza pura de "Mi Voz" a la experimentación lisérgica de "Psicomagia", pasando por momentos intimistas (“Intenso momento creativo”, “La respuesta”), y algunos festivos como en “Lo que está sonando”, tema con reminiscencias del Páez (con participación del mismo) de “El mundo cabe en una canción”, y a quién citará, inconscientemente o no, en “Canción de hoy” (“Mi mundo es una canción”). Y es este último concepto el que pareciera querer explotar Dacal: la canción como contadora de historia, como declaradora de principios, como reflejo de la vida (propia y ajena). La canción como progreso.

"¿Y ahora qué hacemos?", de Jarabe de Palo

2011-05-13T10:11:00.000-07:00

Cuesta imaginar que la frase de Paul Donés, líder de Jarabe de Palo, "Este es el disco más rockero de la banda", sea cierta, luego de escuchar el corte del mismo: una versión cancionera del hit salsero "Yo la quiero a morir" con Alejandro Sanz como invitado.
Pero algo de razón tiene. Siempre, claro, dentro de los parametros rockeros que de Jarabe de Palo se pueden esperar: una mezcla de slow rock/pop con letras que a veces cruzan la delgada línea que separa la sensibilidad de la cursilería extrema. "¡Yep!", tema que abre el disco es una buena muestra del estilo característico de la banda española y, sobre todo, de cuando cruzan esa línea ("Vi pasar la vida entera por delante de mi cargada de razones buenas para estar contento, para ser feliz. Pero estaba tan jodido que me gritó ¡Yep! y no me moví").
En "¿Y ahora qué hacemos?", septimo disco de estudio de JDP, la banda se mueve entre altibajos y lagunas que consiguen tomar vuelo cuando las letras ahondan en diferentes formas de autocrítica e instrospección ("Soy un bicho", "Breve historia de un músico persona", "Tu me hacías sonreir"), y/o apoyadas en las buenas interpretaciones de los invitados (Joaquín Sabina y Carlos Tarque de M Clan en "Hice mal algunas cosas", y Antonio Orozco en "Frío"). No hay mucho más que eso.

"Angles", de The Strokes

2011-04-13T12:09:00.001-07:00

"Angles", es el nuevo disco de The Strokes, tras 5 años de separación, años que sirvieron para la cosecha de buenos trabajos de los diferentes proyectos de casi todos los integrantes: Julian Casablanca, y su correcto debut solista "Prhazes For The Young" (2009), y el segundo álbum de Albert Hammond Jr, "Como te llama" (2008). Aunque los dos trabajos más interesantes estuvieron en manos del bajista Nikolai Fraiture y su banda Nickel Eye ("The Time of the Assassins", 2009), y de Little Joy, proyecto de rock/bossanova del baterista Fabrizio Moretti, y su disco homónimo de 2008.
En esta nueva etapa, los Strokes vuelven al rock neoyorkino/garagero con el que trascendieron en el 2001 con el grandioso "Is this it". Con un comienzo popero ("Machu Picchu"), la cosa se empieza a poner buena en la segunda canción, "Under Cover of Darkness", el corte del disco, en el que el genoma stroke aparece en su plenitud. De ahí en adelante, las guitarras empiezan a imponerse y junto a la gran interpretación característica de Casablancas regalan algunos grandes momentos, como en la oscura "Metabolism" ("Silenciosamente obsesionado con la muerte"), en "Gratisfaction", adornada con un coro con reminiscencias a Queen, y por supuesto en los temas más Strokes como "Taken for a fool" y "Life is simple in the moonlight", la mejor letra del disco.
A pesar de que el sonido de The Strokes no cuenta con la frescura y novedad que tuvo en los primeros años, “Angles” es un muy buen disco que marca el regreso del quinteto, y confirma por qué fueron una de las bandas más importantes de la década 00.

"Different Gear, Still Speeding", de Beady Eye

2011-03-15T08:14:00.000-07:00

Muchas expectativas generaba la salida del disco debut de Beady Eye, la nueva banda liderada por Liam Gallagher (que incluye a los también ex Oasis Gem Archer, Andy Bell y Chris Sharrock), tras el alejamiento de Noel, el motor más importante a la hora de componer en la banda que compartían los hermanos. Y la separación de los Gallagher era una de los aspectos que acrecentaba estas expectativas. Era el momento de que Liam demostrara si era solo un gran frontman, con un ego acorde, o si estaba para más.
En "Different Gear, Still Speeding", Liam y cía. desestiman todas las dudas y demuestran estar a la altura de la circunstancias. Con un sonido que no permite separarlos de Oasis y sus baladas históricas ("Kill for a dream", "The morning son"), y cada vez menos de The Beatles ("Millonaire", "For anyone"), apoyados en la gran interpretación de Liam que (¿qué mejor calificativo?) con los años se va poniendo más Lennon (escuchar "The Roller" y no relacionarlo con el líder beatle es imposible), Beady Eye tiene un debut más que promisorio. Eso sí. Para acercarse al nivel de prosa de Noel, en este nuevo proyecto comparten responsabilidades compositivas el menor de los Gallagher, Archer y Bell. Y está bien.

"The King Of Limbs", de Radiohead

2011-03-04T11:57:00.000-08:00

La banda mimada del rock (en algunas de sus modalidades) ha vuelto al ruedo. Tras 4 años de silencio ("In Rainbows", 2007), Radiohead vuelve con "The King of Limbs", su octava placa de estudio. Si bien el disco no tiene grandes novedades, y, sin duda, no es lo mejor que han hecho, en los 8 temas que lo componen (se rumorea que habrá una segunda parte que lo complete) se pueden vislumbrar algunos destellos del potencial de la banda. Eso sí, hay que darle varias oportunidades.
"Little by little", es un claro ejemplo de esto, con la gran prosa sufrida de Yorke en su máxima
expresión ("Turn to nasty now, The dark cell, The pit of my soul, The last one out of the box, The one who broke this spell") sobre una base bien oscura (¡qué sorpresa!). Pero los puntos más interesantes llegan de la mitad del disco para adelante, cuando se alejan de su lado experimental/alternativo y se vuelcan a la canción más pura, en la que la voz y la melodía (con piano y guitarras acústicas incluidas) van de la mano ("Codex", "Give up the ghost"). Una mano desgarradora, claro.

"Lo mismo se entiende", de Confucionistas

2011-02-25T11:52:00.000-08:00

"Lo mismo se entiende" es el segundo disco de Confucionistas. En este, la banda, originalmente conocida como Daney & Confucionistas, sigue explorando la variedad de ritmos (rock, ska, bossa, reggae, tarantela, chanson) que había mostrado en su primera placa, “Probables éxitos, Vol. 1" (2006), aunque esta vez, al menos en la primera parte, llevándolos a límites más rockeros, tanto en compases como en personajes (místicos, drogadictos y ladrones). Claro que después vendrá el tiempo para bajar (en ambos aspectos también), y aparecerá el costado más sensible (“Teresita”, “Vicky”, “Casanova”). Y si de bajar hablamos que mejor que contar con la melancólica voz de Víctor Heredia en la hermosa “Vicky”.
Las canciones cuentan con la prosa multilingüista de Rafael Daney que parece manejar bien (o mentir mejor) en varios idiomas. En "Humanístico" se luce en Italiano y en la nueva versión de "Bombon du papier" en Francés. Resta el castellano, que lo usa a su gusto y piacere para ironizar, criticar y hacerlo canción en una misma frase: "Asusta tu premura guevarista, tu ensayo altruista sobre el sismo del proletariado, la decadencia de tu apologista que va en detrimento con tu establishment fascista, te alista la caterva leninista y el discurso marxista sobre el dogma imperialista. Adiós a las noches de derrapista y a las tías superfluas del teatro de revista" ("El místico"). El resto de la banda también tendrá su tiempo para lucirse, sobre todo en la intros de "Dios y mis nalgas al bar" y de "La piba de La Paternal", en ambas con una gran participación de Julián Esposito y su saxo, uno de los puntos fuertes (y distintivos) de la banda.
El disco cuenta con la producción artística de Mario Siperman (Los Fabulosos Cadillacs) y el arte gráfico de Daniel “Semilla” Bucciarelli (Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota).

“Las horas no pasan lentas”, de Chau Pekín

2011-02-18T11:43:00.000-08:00

En los últimos años el crecimiento del llamado Rock Rioplatense (esa mezcla de rock, reggae, ska, candombe, cumbia, y algo más), creció exponencialmente. El éxito multitudinario de Los Piojos (pos Tercer Arco), Bersuit (pos Santaolalla), la migración de bandas símil de Uruguay (La Vela Puerca, No Te Va Gustar) sumado a la resurrección del ska como ritmo juvenil/protestón/divertido crearon el terreno fértil para el surgimiento de un sinfín de bandas similares. A causa de esto, a veces se hace difícil encontrar una que, cumpliendo todo lo anterior, tenga algo diferente, distintivo, o al menos, interesante.
Entre todas estas bandas, una que muestra algo (diferente, distintivo y/o interesante queda a la elección
del oyente/lector) es Chau Pekín. El año pasado, el grupo conocido (o al menos escuchado sin saberlo por la mayoría) por la cortina de “Metro y medio” (una de las mejores de la radiofonía argentina, después de la de “Otra Vuelta”, a manos de Teófilo Deveaux), sacó su disco debut, “Las horas no pasan lentas”.
En este, la banda incursiona en los diferentes estilos con una variada instrumentación que incluye guitarras, bajo, batería, percusión, trompeta, charango, teclados, sintetizador, saxo, clarinete y armónica. Y esto se ve acrecentado por la buena voz de Diego Litmanovich, mezcla de rockera y tanguera, el gran nivel (y extensión) de las letras, y los arreglos de vientos que adornan casi todas las canciones del disco.
De esta manera, Chau Pekín sumerge en los primeros siete temas al oyente en una especie de degradé musical, que va desde el rock contestatario “Romper el código” (“Yo vi morir, Yo vi matar con abuso de la autoridad”), pasa por el ska despechado “Que no”, sigue con un ska mid tempo (o un reggae fast) homenaje al día polémico de la semana en “Domingo”, para bajar un poco más en el reggae “La feli´”, (dedicado a Mar del Plata, claro), subir apenas en el candombe “Copetear un charlatín” (“De nuevo se fueron transformando en viejos, con la textura de aquel sauce tan llorón rugoso como solamente se hace el vicio de tragar tiempo sin amor") , y usar el tangazo “En un tiro sí” como una previa a la cumbia “Muchacha”, en la que cuenta en cinco minutos la, mil veces hecha novela, historia de amor entre estratos sociales (“Yo sé que pensás que somos de clases sociales tan diferentes, la gente te miente somos lo mismo y lo mismo son. Ambos venimos de un vientre y necesitamos respirar”). Y, como si eso fuera poco, el sumun llegará minutos más tarde, cuando en “Quebrado”, Litmanovich le cante a las bondades del infierno mental del abandonado (“Mirando al cielo para reciclar consuelo imagine en reflejos la silueta de dios. Y me escupió con una lluvia de granizo hizo lo que quiso y no pidió perdón").

Un disco completo. Para los puristas es recomendable mantenerse alejados, pero los adeptos a la música fusión encontrarán en “Las horas…” una obra atractiva, y en Chau Pekín un buen representante del Rock Rioplatense (aunque esto quedaba a su elección).

“Solo un momento”, de Vicentico

2011-02-10T06:01:00.000-08:00

Luego de la gira de reencuentro de Los Fabulosos Cadillacs, se podía suponer que el nuevo disco de Vicentico como solista traería reminiscencias de la banda que lidera, con parates varios, desde 1984. Pero no. “Solo un momento” está impregnado de un sonido sesentoso/setentoso más cercano al de los cantantes melódicos (Leonardo Favio, Nino Bravo, Sandro, etc) que siempre admitió que admiraba (incluso hay una gran versión de “Sabor a nada” de Palito Ortega). Y si bien desde su primera incursión solista ya había mostrado una tendencia hacia estos ritmos (en “Vicentico” grabó “Algo contigo”), en este nuevo disco los explota al máximo.
Las letras, casi todas de su autoría, salvo la mencionada y algunas que cuentan con el aporte inagotable de Cachorro López, que además de ser el productor, colabora en bajo, guitarra y sintetizadores, muestran el mejor nivel poético de Vicentico en su etapa solitaria. Entre ellas, se destacan “Ya no te quiero” que mezcla un teclado de aquellos tiempos con una guitarra bien rockera, la ranchera de desamor, “Escondido”, y, la gema del disco, “Cobarde”. En el disco también participan Sebastián Schön (teclados, guitarras acústica y eléctrica, saxo tenor, programación), Juan Blas Caballero (teclados, programación), Dany Ávila (batería), Silvio Furmanski (guitarras eléctrica y acústica), y, como invitados, su hijo Florián Fernández Capello pone sus guitarras en "El rey del rock & roll", y Martín García Reinoso con guitarra eléctrica en "Escondido".
En una sociedad donde la crispación (el término más utilizado en los últimos tiempos) contra el que piensa o hace algo diferente es casi ley de vida, Vicentico se anima a más, se ríe de los prejuicios, suelta su lado intimista, y regala uno de los mejores discos de 2010.

"Jauría", de Jauría

2011-02-04T09:10:00.000-08:00

"Es claro el reglamento a seguir, está muy claro que no hay reglamento. No hay una lógica. Instinto animal: ¡Vida de perros siempre en libertad!", grita Ciro Pertusi desde "La Jauría", tema que cierra el disco debut de Jauría (sí, les conté el final), la nueva banda que armó junto a Esteban "Pichu" Serniotti (ex Cabezones), Mauro Ambesi (ex De Romanticistas Shaolin’s) y Ray Fajardo (ex El Otro Yo). Esta bandera que levantan de libertad acompañada recorre el disco, y es uno de los objetivos/motivos de esta nueva etapa.
Si hay una diferencia notable con los últimos trabajos de Attaque 77 (es imposible no buscarlas) es la ausencia de baladas. Pareciera ser que la nueva banda hizo reflotar en Ciro (¿o será unos de los motivos de su alejamiento?) su lado punk, y volver a sus primeros años más rabiosos.
Así, entre la batería de Fajardo, que siempre golpea en el momento exacto, la fuerza de la guitarra de Serniotti y el bajo preciso de Ambesi, Ciro vuelve a lucirse como voz líder y muestra un gran nivel compositivo.
Las letras, casi todas del ex cantante de Attaque, pasean entre la historia ("Indios Kilmes", "El tiempo" dedicada a Soledad Rosas y "Tosco"), la crítica social ("Guerra en las galaxias", "Religionaré", tema de los De Romanticistas Shaolin’s, y uno de los mejores del disco), el amor en sus diferentes formas ("Morgue Corazón", letra de Fajardo, "Astros Bajo el Mar", "Shangri-la") y, claro, del cierre de una etapa ("No hay dudas, se siente, es ese olor a muerte de amor que está muriendo y de miradas que no dicen nada más que fin").
Sin grandes novedades, “Jauría” (tanto el disco como la banda) es la excusa para el regreso y reunión de estos músicos que en algún momento perdieron el rumbo dentro de sus anteriores grupos (“El tema de la salida de nuestros grupos fue para volver a ser nosotros mismos”, dijo Ray en una entrevista en Rolling Stone) y que ahora lo vuelven a encontrar en “la jauría de la libertad”. Y esta nueva libertad, al menos por ahora, les sienta bien.

"Temporada de conejos", de Martín Buscaglia

2011-01-27T06:20:00.000-08:00

Otro músico que profesa su amor por el Polonio (y que le dedicó la mejor canción: "Trivial Polonio"), es el cantautor y multiintrumentista (conocido también como "hombre orquesta") uruguayo Martín Buscaglia, que el año pasado sacó "Temporada de conejos" junto a sus "Bochamakers".
En este, su quinto disco, Buscaglia sigue mostrando su versatilidad estilística, con canciones que pasan de la experimentación, tanto sonora como lingüistica, ("Jaula de motos", "Spam", "Cortocircuito"), a otras más folkies en las que aflora su gran capacidad compositiva ("Cortémonos la cara", "Diablo débil", "Fico fue a la montaña", "Ese será tu collar"). El Polonio vuelve a aparecer en "Blues del Carrito", con la participación del español Kiko Veneno, además de un auto homenaje a su proyecto Grupo Cantacuentos, con el que hace música para niños, en “Oda a mi bicicleta”, y el recuerdo al silencio de John Cage en “4’33’’”.
En esta invasión uruguaya, no silenciosa (tranquilo Hadad) sino musical, que está en pleno apogeo, Martín Buscaglia con “El evangelio según mi jardinero” se posicionó como uno de los exponentes más interesantes, y en “Temporada de conejos” lo revalida con creces.

"Espíritu Salvaje", de Onda Vaga

2011-01-21T13:06:00.000-08:00

Cualquiera que estuvo en Cabo Polonio sabe que hay una energía diferente. Onda Vaga, banda que se originó por esos pagos, supo canalizar esa energía y transformarla en música (desenchufada).
Luego del exitoso (e imperdible) "Fuerte y caliente", a fines de 2009 editaron "Espíritu Salvaje", en el que continúan explorando el formato acústico del primer disco, con la preponderancia de las cuerdas (guitarras varias, cuatro venezolano) y buenos arreglos de vientos y percusión, sumado al combo de ritmos contagiosos y letras pegadizas.
Es este gran nivel que tiene la banda a la hora de ejecutar cada uno de los diferentes ritmos (jazz, reggae, rumba, bolero, vals, etc) y los colores que brinda la participación de todos en las voces lo que le da a Onda Vaga un valor agregado y diferencial.
El que quiera comprobarlo puede escuchar el reggae "La pipa de la paz" (sí, habla del faso), la lisérgica "Así" (que viene de la época de Doris), la hermosa "Lolita" y "Cuestión de peso", como para tener un pequeño vistazo de la banda y sus virtudes, aunque se recomienda escuchar el disco completo (y, de ser posible, el primero también).
Como bonus track, para los guitarristas amateurs que quieran conocer la cocina de los temas, la banda subió los acordes a su página. Un disco (y una banda) perfecto para un fogón, aunque no sea anarco-peronista.

"Cancionero para un fogón anarco-peronista", de Conjunto Falopa

2011-01-20T11:10:00.000-08:00

Otro disco que se basa -mayoritariamente- en el humor irónico y cínico es "Cancionero para un fogón anarco-peronista", segunda placa de Conjunto Falopa, la banda liderada por Pablo Marchetti, director de la Revista Barcelona (referente en estos temas).

Al igual que en su primer disco (“Falopa”), la política, los ideales (e ideólogos), y algunos personajes, míticos y no, se unen de formas inesperadas para brindar una visión barcelonesca (y musicalizada, claro) de la realidad: El paso a paso de la clonación al Che Guevara, y la búsqueda de fondos para mantener la revolución con las ventas del merchandising en “Tu querida presencia”. La nueva banda de boqueteros formada por “los del tributo a Sabina” (“Joaquín, querido”), que deja la sensación de haber nacido para poder cantar a viva voz “son los reyes del choreo los del tributo a Sabina”. Una cumbia de amor al “erotismo mal planchado de entrecasa” (“Matelasse”). Un planeta en el que “ha triunfado el trotskismo”, aunque, para no diferenciarse del nuestro, “en muchas líneas internas cada tanto se dividen” (“Voz planetaria”). El “Filósofo de la tele” (personificado, entre otros, por González Oro y Feinmann) y su tolerante ideología que baja día a día. Con estos personajes (y algunos más), Conjunto Falopa vuelve a mostrar su gran capacidad para mezclar ironía, crítica social con buena música, y, de paso, seguir desnudando a la fauna argentina.

"Boris Vian", de Andy Chango

2011-01-18T11:26:00.000-08:00

En la línea del disco "Alvy, Nacho y Rubin interpretan a Los Campos Magnéticos" está "Boris Vian", de Andy Chango. Luego de 6 años de silencio desde "Salam Alecum" (2002), Chango sacó en 2008 esta placa homenaje al multifacético (novelista, dramaturgo, poeta, músico de jazz, ingeniero y traductor) francés.

Para esto, Andy se junto con el poeta Luis Antonio de Villena y el músico Javier Krahe, y tradujeron y adaptaron al español 12 canciones, intentando no perder el cinismo y la ironía que caracterizan la obra de Vian. Borrachos, snobs, odontólogos fontaneros, misóginos y jugadores, entre otros, son los personajes que aparecen a lo largo del disco, y no había mejor intérprete para todos ellos que el autor de frases como "tengo que elegir entre millones de drogas, debo decidir si quiero una sola o quiero mezclar todas" ("Neuronas").

Pero los años de silencio parecen haberle venido bien al músico argentino, ya que "Boris Vian" muestra su mejor nivel musical. Con el piano al frente en todo el disco y arreglos de viento jazzeros, Chango se luce en cada estilo que aborda (jazz, blues, rock, milonga). Además, cuenta con la colaboración, como de costumbre, de sus grandes amigos, y mejores músicos, y a los que parece haberles elegido la canción que les encajaba exactamente: Ariel Rot aparece en la rockera "Rock 'n' rollmops", Andrés Calamaro, y su voz dejada, en el "Blues del dentista", Fito Páez le impregna su estilo a "Relaciones peligrosas" y el trompetista Norman Hogue en "The deserter", la única canción cantada en inglés del disco.

“El perfume de la tempestad”, del Indio Solari

2011-01-14T13:00:00.000-08:00

Pocos discos generan, sobre todo en la previa, la expectativa que genera la salida de un nuevo material del Indio Solari. Esto se debe tanto a su pasado como líder de una de las bandas más importantes (sino la más) del rock nacional, y el buen nivel de sus dos discos anteriores, como a su ostracismo extremo y el celo casi paranoico por su obra pre-edición (que llegó al extremo de que a días de su salida, en su clásica pasada por Cuál es?, mostrara solo la edición “casi final” de los temas).
En este caso, la espera (tres años desde “Porco Rex”) tuvo su premio. “El perfume de la tempestad”, tercer disco del Indio Solari y los fundamentalistas del aire acondicionado, vuelve a mostrar a un “Caballo loco” (su nuevo alter ego) inspirado. Como de costumbre, el nivel de las letras, con ese lenguaje propio, es uno de los puntos fuertes del disco, apoyado en la gran interpretación del Indio.
Pero también cabe destacar la dupla en guitarras de Gaspar Benegas y Baltazar Comotto, que adornan las canciones con sus riffs violentos, más cercanos al hard rock que a los melodiosos (y mucho más pegadizos) de Skay, y los arreglos de vientos utilizados en la medida exacta.

Con un sonido oscuro (y el arte acorde), “El perfume…” remite a los últimos años redondos, y sigue la línea de sus discos solistas. Nada nuevo. No es necesario.

“Alvy, Nacho y Rubin interpretan a Los Campos Magnéticos”

2011-01-13T12:09:00.000-08:00

Para este disco se juntaron Alvy (Alvy Singer), Nacho Rodríguez (Onda Vaga) y Sebastián Rubin (Rubin y los Subtitulados), tres representantes del indie nacional, seleccionaron 12 temas de la placa “69 love songs” de The Magnetic Fields, la banda liderada por Stephin Merritt, las tradujeron al castellano (con el visto bueno del autor) y las reinterpretaron a su manera.
Las canciones, como el título del disco original lo anuncia, se centran en el amor pero en diferentes estados. Pasan del romanticismo extremo (“Nada importa si bailamos”) al humor despechado (“Al principio el dinero era mi fin, te dejé comprar la casa con jardín, pero ya no puedo soportarte más cantando así”), sin perder el gran nivel lírico de Merritt. Incluso el cambio de algunos términos con guiños argentinos (North Carolina se convierte en Argentina, The lower east side en La Paternal y la sleeping pill en Rivotril) acercan aún más la poesía del autor norteamericano.
Pero el toque extra se lo da la gran interpretación de Alvy, Nacho y Rubin que, con una gran instrumentación (que incluye guitarras, violín, cello, mandolina, banjo, ukelele, acordeón y cajón peruano), generan en cada tema el clima perfecto, y en su conjunto, un muy buen disco.

"Come Around Sundown", de Kings Of Leon

2010-12-02T11:59:00.000-08:00

Luego del exitoso "Only by the night" (2008), que vendió más de 6 millones de placas, y en esta época es mucho mérito, Kings of Leon acaba de editar su quinto disco "Come Around Sundown".
En este, la familia Followill (los hermanos Anthony "Caleb", Ivan "Nathan", Michael "Jared" y el primo Cameron "Matthew") sigue en la misma línea musical, mezcla de country y rock alternativo, con esa cadencia melancólica que los caracteriza (basta escuchar "The end" para confirmarlo).
En un disco prolijo pero sin grandes sorpresas, y que carece de un mega hit como "Use somebody", se destacan la hermosa "Mary" con reminiscencias a los años 50 (la voz de Caleb le calza justo a aquella época) y un gran solo de guitarra; y la rockera "No money", que junto a "Beach side", deberían formar parte de la banda sonora de cualquier road movie que se venga.
Si bien "Come Around Sundown" no tiene la frescura de los discos anteriores, muestra a los Kings of Leon como una banda consolidada, con un sonido cada vez más personal, que los convierte en una de las propuestas más interesantes de la década 00.

"La quinta armonía", de Andando Descalzo

2010-10-06T12:26:00.000-07:00

“La quinta armonía” es el nuevo (quinto, claro) disco de Andando Descalzo. En este, la banda sigue en su recorrido por diferentes estilos que incluye (con el rock como guía) reggae, ska, cumbia, cuarteto y alguna que otra balada, todo impregnado con el sonido Descalzo. Pero ya con 15 años de carrera, Andando demuestra que puede meterse en cualquiera de estos estilos, manejarlos a su gusto, y, sobre todo, hacerlo con buenas canciones. Basta escuchar “La Pipa”, un rock canción, pasar por el reggae “Naufrago”, con el teclado bien al frente, y terminar en “Cachivache“, un cuarteto eléctrico con la participación de Héctor "Limón" García (ex Bersuit Vergarabat, actual Vía Varela), para darse cuenta del poder camaleónico de la banda. Encima, el disco cuenta con la participación de Palo Pandolfo (Los Visitantes, Don Cornelio y La Zona), otro gran experimentador, y con el que Juani Rodríguez comparte ciertas similitudes interpretativas, que pone su voz en “Cuando llueve", y la producción estuvo a cargo de Matías “Chávez” Méndez, que de bucear en diferentes ritmos hizo carrera. Y, aunque a priori no parezca, todo queda en armonía.

El disco se puede bajar de los siguientes links (subido por la banda):

BPR: http://www.benditasproducciones.com/ftp/laquintaarmonia_mp3_320kb.zip

"Por lo menos hoy", de No Te Va Gustar

2010-10-04T18:54:00.000-07:00

No Te Va Gustar (NTVG) acaba de sacar “Por lo menos hoy”, su sexto disco de estudio. En el mismo, la banda uruguaya se aleja cada vez más de sus inicios reggaeros/candomberos, para consolidarse en un sonido más rockero, algo que ya se podía vislumbrar en su placa anterior, “El camino más largo”.

Durante 12 temas (esta vez no llegaron a su clásico track 13 silencioso), NTVG navega por el rock en diferentes estados: en un formato cancionero en “Ángel con campera” y “Arde”; un rock-fusión en la hermosa (y triste) “Chau”; más fogonero en “Memorias del olvido” y “Nunca más a mi lado”, la única letra del disco que no es de Emiliano Brancciari, pero que sin duda está a su nivel; y más poderoso en “Tu defecto es el mío”, “Los indiferentes” y, el corte, “Cero a la izquierda”, tres de los mejores temas del disco. Y si hablamos de letras, Brancciari se convirtió, sin dudas, en un referente, con una sensibilidad magnífica a la hora de escribir y una gran capacidad para transmitir imágenes y sensaciones, que, claro, vuelve a demostrar en cada canción de “Por lo menos hoy”.

Y para conformar a los nostálgicos está “Volar”, un reggae puro con la aparición del productor del disco Juanchi Baleirón en voz y guitarra. Además, el disco cuenta entre los invitados con Luciano Supervielle (Bajofondo) con el scratch en “Chau” y “Con el viento”, el “Chango” Spasiuk aporta el acordeón en “Nunca más a mi lado”, Fabián Krut (Cursi) con su voz en “Con la misma vara”, y una horda para el coro góspel en “El Equilibrista”.

Backstage de la filmación del video de "Cero a la izquierda":

El experimento

2010-09-14T11:35:00.001-07:00

“Das Experiment” (2001) es una película alemana basada en el Experimento de la cárcel de Stanford, en el que un grupo de 24 voluntarios participó de una simulación de una cárcel para analizar cuáles eran los efectos psicológicos de convertirse en un preso o en un carcelero. Tras algunas pruebas físicas y psíquicas, los participantes fueron divididos mitad para cada rol (en la película los voluntarios son 20 y se dividen 12 como reclusos y 8 como guardias), y se les pidió que ambos cumplan a conciencia con su papel: los presos perderían sus libertades y los carceleros debían mantener el orden, sin utilizar violencia física. Sin embargo el experimento tuvo que ser cancelado a los seis días (estaba pensado que dure dos semanas) por los efectos generados en ambos bandos.

La película toma este experimento, y exagerando algunas situaciones con respecto al original, muestra el proceso del mismo, y los resultados a los que se llegó cuando cada uno asumió realmente su rol.

Promediando la historia, la idea de que es una simulación queda eliminada. Los carceleros no solo cumplen su rol, sino que ya se sienten uno y ejercen su poder como tales castigando (por momentos con violencia física a pesar de las prohibiciones) y humillando a los presos, y de la misma manera, la sumisión de los prisioneros va creciendo a medida que van recibiendo los diferentes castigos (flexiones individuales y grupales, la quita de la cama y la ropa, la amenaza de ser encerrados en la celda de aislamiento, entre otras). Y es ahí donde reside la fuerza de la historia: en la transformación de las personalidades, tanto de los presos cómo de los carceleros, debido a las relaciones de poder; en que muestra qué está dispuesto a hacer el ser humano cuando se le da poder y se lo avala institucionalmente (varios con puestos jerárquicos harían bien en verla), y como esto, muchas veces, lleva a situaciones extremas solo por una lucha de egos. Una interesante película para ver, que transmite plenamente el clima y las sensaciones que se vivieron en ese experimento. La duda que queda es: ¿es esa la naturaleza humana?

El regalo de Calamaro por los diez años de “El Salmón” (o algo así)

2010-09-09T07:41:00.000-07:00

Con motivo de los diez años de “El Salmón”, y de los 49 propios, Andrés Calamaro regaló a través de la web www.camisetasparatodos.com (en realidad se lo regaló a su socio deepcamboyano Marcelo “Cuino” Scornik que lo cedió a la página) un disco con 18 temas ineditóxicos de aquellas épocas verborrágicas/lisérgicas/experimentales.

En el disco aparecen una serie de homenajes (o algo así) como una versión salvaje de “11 y 6”, (“y en el baño de un bar sellaron todo con un saque”), más cercana a su segunda parte, “El Chico de la tapa”, una mini “Before they make me run” de The Rolling Stones, “It's all too much” de The Beatles junto a “Obladi oblada” hecha cha cha cha, la Triple versión de “Sporting life” de Eric Clapton , y “Plegaria para un niño dormido” de Almendra, quizás la más rescatable de estas. Por otro lado, la época camboyana más oscura queda plasmada en las canciones (o algo así) “Demolition Time”, “Duelo de gañanes”, “El Blues de Don José”, “El Gran Cachafaz”, “Iggy Pop”, “Moquete moqueador” y “No time for loosers”, en las que se mezclan frases, sonidos, riffs, distorsiones y demás, por momentos de forma nociva para el oyente.

Pero las cinco canciones que completan el disco son bien salmónicas, y en estas Calamaro regala un poco de su genialidad (o algo así): “Devuélvanme mi nariz”, una crisis matrimonio/personal; “La Sabol (poder dormir)”, la más interesante del disco; la cumbia “Los Animales” con el lenguaje Calamariano en su plenitud; “Patrón de mil mates”, un rock pesado junto a su socio Scornik; y “Subversivo”, otro rock contestatario adornado con sonidos futuristas.

En “El Salmón”, y la época posterior “Radio Vaticano” con sus ¿cientos? ¿miles? de ineditóxicas, Calamaro mostró en su totalidad la libertad del músico-creador, y, sobre todo, su capacidad creativa/creadora. Hoy, diez años después, esa etapa sigue dando sus frutos (o algo así).

Para descargar el disco, click aquí

La Vela Puerca presentó Normalmente anormal

2010-09-07T10:35:00.000-07:00

La Vela Puerca volvió al Microestadio Malvinas como cierre de la gira de presentación de su primer DVD “Normalmente anormal”. En la previa proyectaron completo el documental incluido en el DVD y ante la última frase del mismo “no sé si es la mejor, pero es nuestra manera. Normalmente anormal”, la pantalla cayó y arrancó el show con “Escobas”.

El comienzo a puro vértigo mostró su faceta más ska/punk/contestataria: a “Escobas” le siguieron “Mañana”, “El Ojo Moro”, “De Atar” y “Por dentro” casi sin parar, para bajar un poco con los reggae “El Bandido Saltodemata” y “Burbujas”, y volver a levantar con las canciones más rockeros de su discografía (“El señor”, “Doble Filo”, “Clones”, “Colabore”, “La sin razón”)

Promediando el show bajaron los decibeles para mostrar los nuevos temas. Así pasaron en un formato casi acústico, como están grabados en el DVD, “Respira”, “En Vela”, “Caridad”, “Razón de ser” junto a la hermosa “Para no verme más” de “El Impulso”.

Pero lo mejor todavía estaba por venir: Una emotiva versión de “Va a escampar”, “Vuelan palos” con el Enano acompañado por un bandoneón, el himno canábico por excelencia, “Mi Semilla”, junto a Alejandro Balbis, y “José sabía” y “Zafar”, dos de las gemas de la banda.

Para el cierre, La Vela volvió con toda su potencia y metió un hat-trick letal: “Por la ciudad”, “El Viejo” con la participación de “Wilson” (una pelota que le regalaron comparando su look con el de Tom Hanks en El Naufrago), y “Llenos de magia” para revalidar su gran momento y su gran relación con el público argentino.

“La caravana mágica” de Cordera

2010-08-31T13:58:00.001-07:00

“La caravana mágica” es el segundo disco de Gustavo Cordera como solista. En este, el Pelado vuelve al sonido bersuitero de los últimos años, y lo mezcla con la tranquilidad de “Cordera suelto”, sobre todo en las letras que siguen el sendero introspectivo, y su nueva existencia despojada y natural (se escribe hippie, se pronuncia jipi)

Con la cumbia como ritmo guía, Cordera le canta a la vejez, en realidad a la no-vejez, junto a Palito Ortega en “No es que sea viejo”, arma el “bailongo” en el corte “La bomba loca”, y regala su mejor autocrítica en “Asalto de cumbia” (“soy cantor de profesión y si no te das cuenta también soy un ladrón”)

Pero los puntos altos del disco aparecen cuando el Pelado se aleja de su lado fiestero, y vuelve al intimismo y la reflexión de su primera placa solista, como en “Estoy Real” (“Encontrarme un alma me puede curar, con lo que más quiero tendré que pagar, el dejarlo todo será bendición, perder lo que tengo, ganar corazón, no sé si estoy bien, estoy mal, estoy real”), homenajea a su amigo Hugo (el de “La Bolsa”) en “Huguito”, refleja su nueva etapa en “Se Cae” (“así aprendí una cosa que el tiempo me enseñó, que todo lo que se tiene no tiene ningún valor, se cae el capitalismo, no supo lo que es amor, para amar hay que saber lo que el otro necesitó”), o los cambios y transformaciones que llevaron a esta nueva etapa (“yo sé que puede parecerse a una traición pero así de solitario es el camino del alma”) en “La Retirada”, una de las grandes canciones del disco.

Con la producción de El Chávez, ex baterista de Árbol, “La caravana mágica” no mantiene el muy buen nivel del disco debut pero muestra algunos momentos interesantes que, al menos, vale la pena escuchar.

Kick Ass

2010-08-03T10:32:00.000-07:00

“¿Por qué nadie a tratado de ser un superhéroe?”. Con esa pregunta arranca Kick Ass, la película basada en el cómic homónimo escrito por Mark Millar y dibujado por John Romita Jr.

En la misma se cuenta la historia de Dave Lizewski (Aaron Johnson), un joven que al llegar a dicha conclusión decide convertirse en uno. Pero en esta historia no hay araña radioactiva que lo pique, ni millones que lo abalen, y, sobre todo, no hay superpoderes.

Dave decide convertirse en Kick Ass debido al reiterado robo, semana a semana, que sufre por los mismos dos tipos. Incluso son estos dos tipos, al darle una violenta paliza en su primera salida como “superhéroe”, los que terminan por generarle su único “poder”: insensibilidad física que se resume en una gran resistencia a los golpes.

En su segunda aparición, es filmado y subido a Youtube peleándose contra cuatro para defender a un hombre, y se convierte rápidamente en un fenómeno. Debido a esto, Dave decide armar una página para que la gente le pida ayuda.

De ahí en adelante arranca una nueva historia que lo llevará a conocer a otros como él (la dupla formada por Hit Girl (Chloe Moretz) y su padre Big Daddy (Nicolas Cage), y al cebo Red Mist (Christopher Mintz-Plasse)), a convertirse en el amigo gay de su amor platónico y en el principal enemigo de Frank D'Amico (Mark Strong), el jefe de la mafia local.

Kick Ass junta buenos gags con excelentes escenas de peleas, tiros y sangre, llegando por momentos a niveles tarantinescos, todo esto sostenido por una atractiva historia, lo que genera una película más que interesante y, sobre todo, entretenida.

Trailer:

"Espejos" de Ciro y Los Persas

2010-07-29T11:30:00.000-07:00

“Espejos” es el disco debut de Ciro como solista tras la separación de Los Piojos. Para el mismo, el cantante armó una nueva banda, Los Persas, solo con una cara conocida, el tecladista “Chucky” de Ipola. La completan Juan Gigena Abalos y Juanjo Gaspari en guitarras, Broder Bastos en bajo y Lulo Isod en batería.

En “Espejos”, Ciro vuelve a incursionar en diferentes estilos, con el rock como alma mater, como supo hacer en Los Piojos, y logra un sonido con grandes reminiscencias a la música de la banda de El Palomar con el condimento de su voz característica.

El disco abre con “Antes y después”, corte del mismo, y en el que deja en claro, desde el título, que Los Piojos quedaron en el pasado (“hoy todo vuelve a empezar y será lo que ya fue”), idea que aparece en varios temas. Sin embargo, el sonido piojoso se hace presente a lo largo de todo el disco: desde el rock crudo de la primera época (“Servidor”, “Rockabilly para siempre”, “Blues del gato sarnoso”) hasta el rock mixtura, o rock and ross, (“Malambo para Luca”, “Chucu-chu”, “Espejos”) con el que explotaron.

Por otro lado, Ciro demuestra estar en un gran momento compositivo, contando historias de amores perdidos en “Insisto”, una de las grandes canciones del disco, (“Nunca me perdonaré no haber hecho más, no sé, el tiempo todo destruye todo, lo sé”), en su reggae contestatario “Paso a paso” (“Sobra el alimento pero falta educación”) pero sobre todo en “Vas a bailar”, donde, basada en la idea “Baila como si nadie te estuviera viendo”, Ciro expone toda su experiencia con guiño a esta nueva etapa (“No estás aquí para pasar sin que te vean, ¡qué carajo! Si ser lo mismo es virtud, vos sabés bien que también es quietud, si anda rondando la felicidad no tengas tanto temor de cambiar.”)

Además, “Espejos” cuenta con varios invitados a la altura de la circunstancia, entre ellos el ex Piojos “Micky” Rodríguez en “Paso a paso”, Diego Arnedo con el bombo legüero en “Malambo para Luca” y “Dani” Buira con La Chilinga.

Las separaciones suelen traer momentos de crisis, como dijo el gran Homero “Oportuncrisis”, y de eso se puede generar algo o dejarse morir (metafórico, claro). Sin dudas, Ciro supo aprovechar ese momento y lo volcó en un disco impecable. "Soy el mejor gato sarnoso que está de vuelta en su hogar", canta en el “Blues del gato sarnoso”. Habrá que acostumbrarse.

Calamaro presentó "On the rock"

2010-06-15T21:06:00.000-07:00

Pasadas la 20:30 del lunes, las luces del Luna se apagaron para darle paso al último de los tres shows que Calamaro brindó para presentar su nuevo disco “On the rock”. El corte del mismo, “Los divinos” fue el punta pie inicial seguido por la Stone “"Jumpin' Jack Flash" y una versión rockera de “El Salmón”, cada vez más cercana a la grabada por El Indio.
De esta última placa, solo 5 canciones formaron parte del show. Además del corte, pasaron “Todos se van”, “El pasodoble de los amigos ausentes”, “El Perro” y la ranchera “Te solté la rienda”.
El resto del show, El Salmón se dedicó a hacer una muy buena revisión de su discografía, con varios cambios a la lista de los recitales de los últimos años en Capital, para sorpresa de los miles de seguidores que coparon el Luna. Así pasaron “Mi rock perdido”, en un gran recuerdo Rodríguez, “Nunca es igual” enganchada con “Get up, Stand up” de Marley, la hermosa “Comida china”, con explicación lisérgica incluida y, la gema de la noche, “Ni hablar” de “Nadie sale vivo de aquí”. Además, demostró porque su nombre quedó tan relacionado con “El Salmón” incluyendo 6 temas de ese disco (“El Salmón”, “Revolución turra”, “Tuyo siempre”, “Para seguir”, “All you need is pop” y “Output input”).
Un Calamaro bastante locuaz, se tomó su tiempo para recordar al bandoneonísta Rubén Juárez, brindar a la salud de Gustavo Cerati, defender a la tauromaquia y homenajear, con imágenes de fondo, “a los amigos que se fueron primero” en “Los Chicos”.
Con una banda potente y experimentada, formada por Diego García y Julián Kanevsky en guitarras, Candy Caramelo en bajo, Tito Dávila en teclados y José "El Niño" Bruno en batería, Calamaro mostró su lado más rockero y dejó claro que el nombre de su último disco le sienta muy bien.

Foto de Diego Paruelo

Calamaro on the rock

2010-06-08T16:19:00.000-07:00

El nuevo disco de Andrés Calamaro es una buena muestra de la versatilidad artística del Salmón y de su eterna incursión en todo tipo de ritmos y estilos, con la colaboración de grandes referentes de cada uno.
La gira con Diego “El Cigala” y su flamenco queda plasmado en “Los Barcos”, tema que abre el disco, con la guitarra característica del “Niño Josele” y una hermosa letra (“Escapemos entonces, y vivamos sin horarios”). “Té extraño” es un bello bolero coronado con la participación del rapero español “El Langui”. Para la ranchera clásica de José Alfredo Jiménez “Te solté la rienda”, Calamaro se da el lujo de invitar al gran Enrique Bunbury. En “Tres marías” vuelve a la cumbia con la participación de Vicentico, y se les suma Pablo Lescano para un remix del mismo tema. El Calamaro clásico aparece en “Todos se van”, tema que podría formar parte de “Honestidad Brutal” junto a “Me envenenaste” y “Los Divinos”, el corte, con el nuevo fetiche coral Pereza (grabaron con Fito en “No sé si es Baires o Madrid” y con Sabina en “Vinagres y rosas”). El de “El Salmón” asoma en “Insoportablemente cruel” junto a Calle 13 y las rockeras “Gomontonera” y “Flor de Samurai”. E incluso, el verborrágico de su época de ostracismo deepcamboyano vuelve para rescatar (y reversionar) “El pasodoble de los amigos ausentes” y “El Perro”.
Del segundo disco solo se puede rescatar el tema nuevo “Perdoname”, que debería haber formado parte del primero, pudiendo evitar algunas reversiones innecesarias, pero en definitiva “On the rock” es un buen testimonio del excelente presente de Calamaro y, sobre todo, uno de los discos más interesantes del ámbito nacional en lo que va del año.

Video "Los Divinos":

Los Sustitutos

2010-05-19T13:00:00.000-07:00

The Surrogates (“Identidad sustituta” o “Los sustitutos” en español) es una de las mejores películas de ciencia ficción de los últimos tiempos. La misma está basada en el comic editado en 2005 con guión de Robert Venditti y dibujado por Brett Weldele.
La idea principal de la historia es el punto fuerte de la película. Esta transcurre en 2017, cuando los humanos han cedido sus vidas para vivirlas a través de un control remoto que les permite manejar desde su sillón al robot que los sustituye en las aburridas tareas del mundo real y los mantiene alejados de los peligros y la inseguridad.
Pero de repente, esta tranquilidad desaparece a raíz de que, en un atentado al creador de los sustitutos, utilizan un arma que destruye al robot y también a su dueño. Los principales sospechosos son un grupo de humanos, encabezados por El Profeta, que se niegan a vivir con los sustitutos, y que se recluyen en zonas libres de estos. Una especie de auto apartheid.
De esta manera, The Surrogates funciona como una muy buena crítica social relacionada con los efectos de los avances tecnológicos y los problemas de la sociedad actual, como la utilización del miedo como herramienta de control o la hipercomunicación (e hipertecnologización) que lleva a la soledad y el individualismo.

Para bajar el comic

El camino largo de la despedida

2010-05-17T14:05:00.000-07:00

No Te Va Gustar volvió al Estadio Cubierto Malvinas Argentinas para despedir su último disco “El camino más largo” (2008), y brindó un show impecable repleto de los (ya) clásicos de la banda liderada por Emiliano Brancciari.
Con un triplete de la última placa (“El camino más largo” / “Niño” / “Como si estuviera”), NTVG abrió el show del viernes que se extendió por un poco más de dos horas ante un Malvinas colmado. Lo siguieron “En la cara” y “La única voz”, una de las gemas más festejadas de la noche, que dio paso al único estreno, “Tu defecto es el mío”, que formará parte del disco que entraran a grabar próximamente.
La lista compuesta por 29 temas recorrió buena parte de la discografía y sirvió como una interesante muestra de la versatilidad musical de la banda que pasó de tocar una versión potente de la rockera “No llegas a mí”, con Emiliano Brancciari en guitarra y voz, Guzmán Silveira en bajo, Diego Bartaburu en Batería y Pablo Coniberti en guitarra, a que se le acople el resto (Gonzalo Castex en percusión, Marcel Curuchet en teclados y el trío de vientos Martín Gil, Denis Ramos, y Mauricio Ortíz) para el hermoso candombe “Clara” y el reggae “Verte reír”.
Pero los puntos altos de la noche fueron “Dejame Bailar”, la coreada (y casi cantada completamente por el público) “No hay dolor”, la sorpresiva “Solo de día” y el cierre clásico con “Fuera de control” y “Te voy a llevar” con fragmentos ricoteros de “Todo un palo”.
Con un sonido imponente, salvo por el bajo volumen de los vientos en algunos momentos, y un juego de luces acorde, NTVG dio uno de sus mejores shows. Una gran despedida, y, sobre todo, un buen augurio para el disco prometido.

El pésimo libro de Eli

2010-05-12T12:25:00.001-07:00

¿Cómo alguien puede escribir una historia como la de El libro de Eli y pensar que a otro le va a interesar? ¿Qué se le cruza por la cabeza a otro para financiarla y hacerla película? Para esto segundo, solo hay una respuesta: Ser el protagonista.
El libro de Eli cuenta la historia de un mundo post-apocalipsis en donde predomina la violencia y el individualismo, y donde el agua es el bien más preciado. Denzel Washington encarna a Eli, un hombre solitario que posee un libro con un mensaje que puede salvar a la humanidad y que defiende contra todo (y todos). En el camino al Oeste, donde debe dirigirse por el mandato de una voz interior, llega a un pueblo manejado por Carnegie (Gary Oldman), quién además de ser el que posee el agua, es un coleccionista de libros y está en busca de uno especial. Y sí, uno tiene un libro, el otro busca libros… esa se supone la trama. En el medio aparece la fe y un mensaje religioso tan ridículo que ni siquiera la iglesia hubiera escrito.
La película dirigida por los hermanos Hughes, y escrita por Gary Whitta, es un rejunte de situaciones inverosímiles, frases hechas y lugares comunes mezcladas con una estética western y algo de cine oriental que deja como resultado una de las peores y más aburridas películas de los últimos tiempos.

Fito Páez en el Luna Park

2010-05-10T15:40:00.000-07:00

Con motivo de la presentación de su último disco “Confiá”, Fito Páez se presentó el viernes en el Luna Park. Vestido de un impecable blanco, el rosarino salió pasadas las 21:30 y, durante más de dos horas casi sin interrupciones, mezcló lo nuevo y lo viejo en un show impecable.
En esta ocasión, Fito estuvo acompañado por Gastón Baremberg en batería, Eloy Quintana en bajo, Carlos Vandera en guitarra acústica y coros, Diego Olivero y Juan Absatz en teclados, y Coki Debernardi y Dizzy Espeche en guitarras eléctricas, quién reemplazó a Gonzalo Aloras.
El show arrancó con una de las sorpresas de la noche, “Folis Verghet”, del disco La La La grabado junto a Luis Alberto Spinetta en 1986. Lo siguieron el corte de su última placa, “Tiempo al tiempo”, y “Confiá”. El repaso por este nuevo trabajo incluyó “La nave espacial”, la hermosa “London Town”, una cambiada “Limbo mambo”, la funky/rockera “M&M”, “La ley de la vida” y “El mundo de hoy”.
A Fito se lo pudo ver ecléctico: en el piano, solo cantando, manejando la banda como a una orquesta, y con la guitarra para una furiosa “Ciudad de pobres corazones”. Por su parte, la banda sonó implacable y acompañó a la perfección a una Páez totalmente inspirado. “Esta canción es tan buena que no parece mía”, dijo antes de hacer la genial “Tumbas de la gloria”, y cerca del final del show aseguró: “Este fue el verdadero regreso a Buenos Aires”.
En el medio pasaron impecables versiones rockeras (“El chico de la tapa”, “Naturaleza sangre”, “El diablo en tu corazón”), momentos íntimos (“Cable a tierra”, “Al lado del camino”, “Un vestido y un amor”) y clásicos inquebrantables (“11 y 6”, “La Rueda Mágica”, “Polaroid de locura ordinaria”).
Como invitada estuvo Claudia Puyó que puso sus gritos, entre otras, en “El amor después del amor” logrando una versión similar a la editada en 1992 en el disco homónimo.Luego del cierre con “A rodar la vida”, Fito volvió para los bises e hizo una hermosa versión de “Giros”, caminó alrededor del público en “Dar es dar” y con una poderosa versión de “Mariposa tecknicolor” le puso fin a un show completo que dejó a todo el Luna de pie aplaudiendo, disfrutando, confiando.

Foto de Diego Paruelo

Kevin Johansen vivo en Buenos Aires

2010-05-05T07:29:00.000-07:00

Para muchos Kevin Johansen no es más que “ese que canta el tema de Resistiré” o “el doble del Piojo López”. Pero atrás de ese inconsciente colectivo hay un gran músico.
El año pasado se juntó a otro excelente artista, Liniers, y emprendieron una serie de recitales en los que mientras la banda hacía lo suyo, Liniers pintaba basándose en las canciones. Uno de estos shows, realizado en el Teatro Nacional de Buenos Aires, quedó plasmado en el CD + DVD “Vivo en Buenos Aires”.
En este, Johansen, junto a los magníficos The Nada, dejan un perfecto testimonio de la versatilidad rítmica que los caracteriza, y que se hace presente en cada uno de sus discos. Este estilo camaleónico queda confirmado con la presencia de varios artistas igual de disimiles: Ileana Cabra de Calle 13 para el himno de la globalización “Logo”, Paulinho Moska para una hermosa versión de “No voy a ser yo”, Kiko Veneno en el hit “Desde que te perdí”, el uruguayo Fernando Cabrera en “Buenos Aires anti-social club” y “El incomprendido”, y hasta Liniers para “Fin de fiesta”.
De esta manera, los 17 temas que forman “Vivo en Buenos Aires” (25 en el DVD) funcionan como una buena presentación para el que escucha la banda por primera vez, y como un más que aceptable recuerdo para el viejo seguidor que igualmente se quedará con ganas de algo novedoso, tras tres años sin nuevo material.

John Katzenbach en la Feria del Libro

2010-05-04T06:28:00.001-07:00

El novelista John Katzenbach, autor de “El psicoanalista”, “Al calor del verano” y “Juicio final”, entre otros, se presentó el domingo en el salón José Hernández de la Feria del Libro para brindar una charla acerca de su vida y obra. Ante un auditorio casi colmado, la presentación fue coordinada por la escritora Patricia Kolesnicov.
“Lo terrible de ser escritor es que uno termina un libro y piensa: ‘este es realmente bueno’, pero un tiempo después lo agarra y se pregunta ‘¿quién puso esto en mi libro?’”, aseguró el autor mostrando su lado crítico e irónico a la vez.
Sobre sus comienzos como escritor contó que se dedicó a esta profesión cuando lo echaron del Miami Herald. “Ahí me di cuenta que creando una historia podía tomar el control de la vida de todos los personajes. Un día me siento adelante del teclado y soy un asesino, otro día, un detective”, afirmó y agregó: “Si un escritor no se mete en las emociones de sus personajes, la historia será chata, no podrá emocionar al lector”.
Además adelantó la trama de su nuevo libro en el que a un profesor de psicología le diagnostican demencia y, el mismo día, es el único testigo de un secuestro de una niña. “Me gusta escribir historias donde personas comunes se convierten en detectives o se las empuja a situaciones límites, y se ven obligados a demostrar su fortaleza interior”, aseguró. Sin embargo, confesó que ya hubo 3 casos de asesinos seriales a los que se les encontró “Retrato en sangre”, uno de sus primeros libros, con marcas y párrafos resaltados.
En el final llegó el momento para las preguntas del público que copó la sala (“cuando les cuente a mis amigos, no me lo van a creer…ninguno”) y para que nuevamente Katzenbach muestre su lado irónico: “Voy a empezar a escribir historias de amor entre vampiros. Parece que eso vende”.

"La Isla Siniestra" de Martin Scorsese

2010-04-23T12:54:00.000-07:00

Que hablen de una isla y no pensar automáticamente en Lost, hoy en día, es casi imposible (sobre todo a 4 capítulos del final). Sin embargo, Martin Scorsese adaptó La Isla Siniestra (Shutter Island), novela de Dennis Lehane (Gone, Baby, Gone y Río Místico), le dio, al menos por un rato, otro sentido a la isla y armó una de las sorpresas cinematográficas en lo que va del año.
En esta, el niño mimado de Scorsese, Leonardo DiCaprio, encarna a Teddy Daniels, un comisario que viaja para buscar a una peligrosa paciente que se escapó del hospital psiquiátrico y está suelta por la isla (una especie de Alcatraz psiquiátrica).
Pero desde su llegada, Daniels se encuentra con historias de conspiraciones, intrigas, enigmas y los fantasmas de un pasado tormentoso que empiezan a complicar los intentos por develar el caso. Con lo único que cuenta es con los testimonios de los testigos, que en su mayoría son los internos del hospital y sus delirios, y, como si fuera poco, un fuerte temporal azota la isla y no permite que nadie salga de la misma.
De esta manera, Scorsese arma un thriller psicológico en el que hay que meterse en la cabeza de cada uno de los personajes para intentar descubrir quienes dicen la verdad y quienes mienten, y en el que la realidad y las realidades mentales se mezclan constantemente confundiendo tanto a Daniels como al espectador que tendrá que esperar hasta el último momento para comprender. Y quizás, aún terminada la película, le quede alguna duda.

Las conspiraciones de Alex Jones

2010-04-22T13:21:00.000-07:00

Las conspiraciones siempre atraen: grupos reducidos que manejan el mundo, que tienen más poder que los establecidos o conocimientos extraordinarios (a veces incluyendo relaciones extraterrestres), son algunas de las teorías que rondan. Últimamente las ficciones las tomaron como parte casi imprescindible, como el best seller “El Código Da Vinci” (y todos los sub libros que trajo aparejados) y “La Compañía” de Prison Break, por nombrar solo algunos.
En 2007, el periodista Alex Jones sacó End Game (blueprint for global enslavement), un documental en el que intenta demostrar como un grupo de élite, el Grupo Bilderberg, se junta una vez por año para definir el rumbo del mundo. Las reuniones cuentan con cerca de 130 invitados, la mayoría de los cuales son banqueros, expertos de defensa, dueños de la prensa, ministros, realeza, financieros internacionales y líderes políticos de Europa y América del Norte (supuesta lista del 2009).
La teoría principal es la búsqueda de un Nuevo Orden Mundial dominado por esta elite y que culmina con la eliminación del 80 por ciento de la población. Para esto, según Jones, utilizarán métodos que van desde la unificación de América del norte hasta la eugenesia como herramienta para la despoblación mundial.
En el documental el periodista cuenta desde los inicios del grupo, pasando por su relación con el nazismo y las diferentes guerras, e intenta cubrir la reunión de 2007, en la que se puede ver a varios de los participantes de la misma, pero siempre a una distancia prudencial.
De lo que se habla adentro, realmente, poco se sabe. Para los amantes de las conspiraciones, será una panzada de teorías. Para los escépticos, quizás les interese, quizás no. Creer o reventar.

Acá se puede ver:

¿Dónde vas?, de Skay Beilinson

2010-04-20T13:04:00.000-07:00

¿Dónde vas? es el cuarto disco de Skay Beilinson como solista. En este, el músico emprende un viaje que lo lleva desde Marruecos hasta su propia cabeza, pasando por diferentes estados, sensaciones y climas gracias a la pluma y la guitarra del ex Redondos, cada vez mejor acompañado por Los Seguidores de la Diosa Kali.
El viaje arranca en Fez (“La luna en Fez”) ciudad marroquí en la que pasó una temporada en 2008 y que claramente le dejó su marca (“nosotros vivimos en 2010, ellos están en 1400 y viven bien. En medio de esa austeridad y esa falta de casi todo, tienen un sentido de la vida tan profundo, tan religioso y místico. Son cosas que en Occidente se han perdido. La presencia de la realidad espiritual está de forma permanente; hay mucha religión, mucha tradición”, dijo el año pasado en una nota en La Nación)
El recorrido incluye partes introspectivas, con una declaración de principios (de viaje y de vida) en “En el camino (“Aunque me quisieron adiestrar, nunca me pudieron domesticar”), un paseo por su cabeza en “Aves Migratorias” y “Tarde de lluvia”, para luego regresar a la metrópoli en “Territorio caníbal” (“Nuevos envases de competición, bajo el neón, lucen perfectos. Raras especies para tu colección, son un montón de ofertas. ¡Tal vez yo sea uno más! ¡Solo un cuerpo más... en esta feria!”) y finalizar en el cosmos para describir (y aplaudir) a la humanidad en su conjunto (“Héroes y poetas, magos y profetas, santos, inocentes, somos la humanidad. Crueles, mentirosos, violentos e implacables, tiranos y oprimidos, somos la humanidad” en “Aplausos en el cosmos”), entre algunos de los destinos a los que lleva este viaje.
Con un estilo que recuerda al sonido ricotero y sus riffs característicos (en “Lejos de casa” se pueden confirmar) adornando todo el disco, Skay sigue armando su camino solista. ¿Dónde va? Poco importa. Con lo bien que está haciendo el recorrido basta y sobra.

“El ritmo del jardín”, nuevo disco de El Atolón de Funafuti

2010-04-13T16:35:00.000-07:00

Ya con su placa anterior, “Pequeños rostros en piezas” (2007), El Atolón de Funafuti anunciaba que lo suyo venía por otro lado. Letras spinetteanas/bunburistas en base rock y con una fuerte presencia de violín y teclado hacían prever algo diferente.
En el reciente “El ritmo del jardín” no solo confirma esa búsqueda sino que demuestran todo su potencial y se perfila como una de las bandas más interesantes de la escena under.

Con un líder, Tino Moroder (apellido digno de Tolkien), que posee las mejores condiciones para un cantante (buena letra, estilo y gran interpretación), y una banda que derrocha virtuosismo en todas sus partes (Martín Irrazábal en guitarra, Marilina Calós en violín, Lucas Herrera Fernández en piano, órgano y rhodes, Nicolás Silva en bajo y Juan Corrao en batería), El Atolón crea un sonido propio que queda perfectamente plasmado en cada tema, en el que juegan con los tiempos, géneros y sonidos de forma magnífica. Basta escuchar “Hotel de los desbocados”, “Rabia” o “Enciéndete para mí” para comprender.

Como resultado “El ritmo...” resume en 13 canciones la buena música que la banda sabe y, sobre todo, le gusta hacer, y deja las puertas abiertas a un futuro promisorio. “Bienvenidos al jardín animal..”

"Confiá", lo nuevo de Fito Páez

2010-04-07T16:51:00.000-07:00

La serie de shows del año pasado junto Coki & the Killer Burritos parecen haber despertado en Fito las ganas de volver a grabar nuevamente con una banda luego de “Rodolfo”, su disco -por excelencia- solista. Para eso se juntó con Eloy Quintana en bajo, Gonzalo Aloras y Coki Debernardi en guitarras, Bolsa González en batería y Eduardo Lyra en percusión (más unos hermosos arreglos de vientos made in New York y Río de Janeiro)
El resultado fue “Confiá”, decimoquinto disco de estudio del rosarino. En este, Páez mezcla momentos geniales con simpleza lírica (salvando las enormes diferencias, ¿The Beatles no hacía algo similar?) y juega con esa doble personalidad que muestra desde la tapa del disco en la que se ve un Fito mirando fijo a un Fito mirándolo de reojo.
Y este desdoblamiento forma parte de todo el disco, tanto para él como para los personajes de sus canciones, como en “Confiá” (“Yo quisiera hablar pero lo que doy es un hombre viendo al norte solo y loco hacia el sur”) o en el funky-popero "M&M", en el que dos chicas demuestran “que las chicas buenas van al cielo, y las malas donde quieran”.
Entre los puntos altos del disco están “Lindo Mambo”, gran canción guitarrera; la melancólica “London Town” (“Yo no creo en volver a empezar. Lo que un día vi no lo veo más”); la rockera/gospel “La ley de la vida” (“Nos hicimos tantas cosas sucias sin razón y fue inevitable, nos rompimos el corazón”); aunque sin dudas la perla del disco es “Desaluz”(“Nadie se queda y al final nadie se va”)En una entrevista con Clarín, a días de que salga “Confía”, Fito dijo: “No me planteo ser original”. Y en el disco queda claro. Es puro Fito. “Si querés escuchá y cantá, y sino bancatelá...”

Video del corte "Tiempo al tiempo":

Esto es espectáculo

2010-04-06T15:39:00.000-07:00

¿Qué hacemos con este pibe?

Disfrutarlo.

Las Pastillas del Abuelo volvieron al Luna Park

2010-03-30T15:59:00.000-07:00

Para esta ocasión, la banda dividió casi todo su repertorio (editado y no) en dos noches, una más fiestera y la otra más rockera.
En la primera de estas fechas, y ante un Luna repleto de gente de todas las edades, Las Pastillas brindaron durante casi tres horas uno de los mejores shows de los últimos tiempos con una lista que incluyó los temas más candomberos (“Viejo”, “Resulta imposible”, “Saber cuándo parar”), algunos de los más queridos por su público (“Peldaños”, “Lo más fino”, “Por colectora”, “La casada”) y los más fiesteros (“El Ratón”, “Skalipso”, “Cowboy”). En total fueron 26 temas el viernes 26, y 27 el sábado 27, ¿Casualidad o causalidad?
Además contaron con la presencia de Alejandro Balbis y los caballeros de peluca (ya un clásico en los recitales de Las Pastillas) para poner sus voces rioplatenses en los candombes, y Hugo Lobo (líder de Dancing Mood) con su trompeta en “Skalipso”.

Luego de los problemas de sonido que habían tenido en el show en Ferro (última presentación en Capital) esta fue la reivindicación de la banda y la demostración de porque es una de las más convocantes de la actualidad, y la de mayor crecimiento en los últimos años.

La Franela en La Trastienda

2010-03-26T14:21:00.001-07:00

El sábado La Franela tocó en La Trastienda para seguir presentado su disco debut “Después de ver”. Con sala llena y un público fiel que ya conoce de punta a punta el disco, la nueva banda del ex Piojo Daniel “Piti” Fernández, se lució en un show en el que contó con Matín “Tucan” Bossi en teclados (guitarras y sintetizador), en lugar de Chucky de Ípola que se fue al proyecto solista de Ciro, y con él La Franela parece haber encontrado su formación definitiva.
La lista incluyó todos los temas del disco con puntos altos en ”Akanakena” y el tremendo “Todos los vientos” (“para todos los amores que separó la guerra”), el cuál fue elegido por los seguidores como el próximo corte. Además presentaron dos canciones nuevas y algunos covers entre los que se destacan la gran versión de “Dos Margaritas” de Os Paralamas do sucesso, y de Los Piojos “Entrando en tu ciudad”, “Solo y en paz” (hermoso tema que tenían bastante olvidado), “Reggae rojo y negro” y “Vine hasta aquí” para dejar más que conforme tanto al público franelero como al piojoso.

Lo que me mata de La Franela:

Charly García en el Luna Park

2010-03-25T06:32:00.000-07:00

¿Se puede volver a ver a Charly en un escenario y no emocionarse? ¿Es normal verlo sonreír y disfrutarlo como si fuera un viejo amigo que volvió de las peores? Los Refutadores de Leyendas dirán que no, que no es el mismo Charly, pero por suerte todavía quedan los Hombres Sensibles que sabrán valorarlo.
Charly se presentó en el Luna y volvió a demostrar porque es uno de los más grandes músicos que dio el rock nacional, o mejor dicho, uno de los que lo creó.
Con un show de casi tres horas y una lista impecable, recorrió toda su historia acompañado por su nueva banda formada por el trío chileno compuesto por Kiuge Hayashida en guitarra, Tonio Silva Peña en batería, Carlos González en bajo, junto a Fabián “Zorrito” von Quintiero en teclados, el “Negro” Carlos García López en guitarra e Hilda Lizarazu en voz y coros.
La apertura fue con la rockera “Demoliendo hoteles” que dio el pie para que pasaran grandes clásicos como “Promesas sobre el bidet”, “Cerca de la revolución”, “No soy un extraño”, en la que García fue elevado en un andamio, “Pasajera en trance” con dos chicas flotando por el cielo del Luna, “Yendo de la cama al living” y una gran versión de “Raros peinados nuevos”, entre algunos de los momentos destacables de una noche repleta de estos.
Como invitados estuvieron Fito Páez, con el que hicieron la hermosa “Desarma y sangra”, Pedro Aznar (“es Paul McCartney loco”) para hacer “Perro Andaluz” y “Seminare”, y Juanse en “Mr. Jones”.
Tras varios bices, Charly salió solo para despedirse, y tocó “Canción para mi muerte” dejando el final para que lo cante solo la gente mientras él se iba.

Alguna vez, con motivo del “regreso” en Vélez, Fito lo dijo: “Charly no vuelve, Charly siempre estuvo”. Como los dioses... pero de carne y hueso.

Foto Leo Vaca

Este es “Medicina de amor”, el tema nuevo que presentó en el Luna:

Pequeño homenaje para no olvidar

2010-03-24T13:28:00.000-07:00

"Vuelos" de Bersuit Vergarabat del disco Libertinaje (versión en vivo grabada en "De la cabeza"), inspirada en el libro de Horacio Verbitsky, "El Vuelo".

"Solo voy a volver, siempre me vas a ver y cuando regrese de este vuelo eterno.
Solo verás en mí, siempre a través de mí un paisaje de espanto así."

Todos los caminos conducen…

2010-03-19T08:23:00.000-07:00

Por primera vez, post crisis 2001, me encontraba de vacaciones fuera de Argentina. Si bien los destinos buscados dentro del país vecino fueron sus costas más tranquilas, ciertos ritos carnavalescos hicieron que promediando las vacaciones cayera en la Capital del mismo.

Al llegar, la primera noticia en la oficina de turismo fue: “Las Llamadas se suspendieron para mañana por la lluvia”. “Quizás algún Tablado está abierto”, agregó la Chica intentando reconfortarme. Una hora antes de que se suspendan, la Cajera del Tablado me vendió las entradas diciendo que no se suspendía, y a los 60 minutos, con muy pocas ganas, me devolvía la plata.

El rumor de un Tablado techado me dio esperanza y me llevó a la Ciudad Vieja de noche para vivir un poco de turismo aventura, y no extrañar tanto a mi tierra natal. Pero, como bien arrancó el párrafo, no fue más que eso, un rumor y el Tablado, al igual que todos, estaba cerrado.

La última chance para salvar la noche fue seguir la recomendación de la Recepcionista del Hostel en el que paraba, de un bar cerca de la Rambla. Tapas de discos clásicos e imágenes de músicos empapelaban las paredes. La música salía de discos de pasta. Por fin, la noche comenzaba a encaminarse.

Unas cervezas después, nos ponemos a hablar de música con el encargado, tanto del bar cómo de la música.

“Este es Fernando Cabrera, para mí uno de los mejores músicos de Uruguay “, me dijo.

La música, el sonido, las letras, todo me sonaba familiar.

“Se parece a Charly”, le dije. Y, ante su silencio, agregué, inocente: “¿Lo conocés?”

Me miró, sonrió y me lo dijo: “Es inevitable”.

Hoy toca Charly.

El tema del lunes: Flor de Andando Descalzo

2010-03-15T11:39:00.000-07:00

Andando descalzo se formó en 1995 por un grupo de amigos del barrio de Mataderos.

En estos 15 años de carrera editaron cuatro discos: tres de estudio (Andando descalzo (2002), Mil destinos (2004) y Hasta encontrar (2008)), y uno en vivo (10 años y vivo (2006)), y giraron por los lugares más importantes del under porteño (Cemento, El Teatro, La Trastienda). También participaron del "Gessell Rock 2005" y el "Pepsi Music" (2006 y 2008).
La banda está formada por Juan Rodríguez (voz), Maxi Suppa (percusión), Ariel Paladino (Guitarra), Pablo “Bocha” Otero (teclados), Emiliano de la Encarnación (bajo) y Carlos Quinteros (batería).
Esta canción está editada en su última producción, y tiene una de las grandes frases de la banda: “Durante un tiempo del día, yo no soy pero me recuerdo”.

Los métodos bersuiteros

2010-03-12T12:19:00.000-08:00

“Más que una yunta” es el disco debut de De Bueyes, la banda formada por los ex Bersuit Cóndor Sbarbatti, Daniel Suárez, Oscar Righi y Pepe Céspedes junto a Martín Pomares. En este, De Bueyes explora diferentes ritmos pero sin poder (ni querer) alejarse del estilo bersuitero machista, irónico, fiestero pero sin perder la sensibilidad.
“Trasparencia” es el tema que abre el disco, aunque parece más un cierre de la etapa anterior “Si se asoman días claros, ventilemos las ofensas, y peguemos donde duele, que tenemos experiencia”. El corte del disco es “Un dicho popular” que retoma una vieja idea ya plasmada algunas veces por la Bersuit del idílico trío (como en “Hecho en Buenos Aires” del disco “La Argentinidad al palo”). La crítica política tampoco queda afuera y se hace presente en Dartagnan (“Alienado y aturdido voy trastocando el poder que me dieron mis amigos, los de hoy y los de ayer”), una de los mejores temas del disco. Pero las gemas del disco son “De una pasión” y “Decisiones”, dos canciones que podrían funcionar como opuestas aunque con el mismo final. En la primera, la historia de un hombre haciendo todo lo posible por recuperar a la mujer perdida. En la segunda, las (malas) decisiones que toma hasta llegar a casarse, y luego divorciarse.
En definitiva, “Mas que una yunta” es un muy buen disco que refleja la trayectoria de todos sus integrantes y que será disfrutado por el público en general pero mucho más por los bersuiteros.

Video de Un dicho popular:

El otro argentino ganador del Oscar

2010-03-11T13:05:00.000-08:00

Nicolas Schmerkin ganó el Oscar al corto de animación, con Logorama.

Acá se puede ver subtitulado:

Dos noticias, dos

2010-03-10T04:59:00.000-08:00

El sábado, Gustavo Cerati, León Gieco y Los Fabulosos Cadillacs tocarán gratis para ayudar a los damnificados por el terremoto de Chile. También estarán presentes Ricardo Darín y músicos invitados.
El festival solidario “Argentina abraza a Chile” se realizará en la intersección de Figueroa Alcorta y La Pampa. El evento es gratuito pero se estará recolectando agua mineral, leche larga vida, abrigo y medicamentos.

Por otro lado, Aerosmith, desde su página oficial, anunció que regresa a Argentina. El show será el 27 de mayo en el Hipódromo de San Isidro (Hippordromo según ellos). De las entradas, ni noticias.

“Marilyn Munro” de Atropello Carregal

2010-03-09T13:08:00.000-08:00

Atropello Carregal se forma en 2005 en el barrio de Munro. La banda está formada por Juan Franke en voz, Gonzalo Fernández y Guido Parisi en guitarras, Ignacio Basello en bajo y Juan Manuel Fernández en batería. Entre noviembre de 2006 y febrero de 2007graban su primer demo homónimo que cuenta con cinco temas. Ese mismo año fueron elegidos para tocar en el Pepsi Music.
En 2008 sacaron su disco debut titulado “Marilyn Munro”, en el que, en 13 temas, mezclan rock (barrial y no) con funk y reggae, entre otros estilos. Entre estos se destacan “Mientras me callás”, muy buen rock con una de las mejores frases (“Asimilé bien los domingos, resistí el crecer”), “Muerte Lenta” en la que Franke demuestra de que manera se puede gritar armónicamente y lo valida en “El condenador”, dos de las mejores canciones del disco, “Vanidad huerfanita” es la mejor autocrítica que se escribió alguna vez y “Agujero” otro buen rock con gran letra.
Además de las buenas letras, que no tienen un único autor sino que casi todos los integrantes aportaron la suya, la calidad musical de los temas, con algunos tintes de Sumo, Divididos y Los Piojos, hace de Atropello una las bandas del under que vale la pena empezar a prestarle atención.

Atropello Carregal se presenta el 19 de marzo en Cellblock, Avenida Maipú 3914.

Video en vivo de “El condenador”:

OK Go y un nuevo gran video

2010-03-08T11:10:00.000-08:00

OK Go sacó nuevo disco “Of The Blue Colour Of The Sky” y para promocionarlo se mandaron este gran video:

Para recordar, OK Go son los que hicieron este video también:

OK Go es una banda estadounidense integrada por Damian Kulash (voz y guitarra), Andy Ross (guitarra, teclados y coros),Dan Konopka (Batería) y Tim Nordwind (bajo y coros).

¿Quién te corre? de Los Señores

2010-02-26T12:55:00.000-08:00

La característica que diferencia a “Los Señores”, y que los convierte en una de las bandas más interesantes de la escena under nacional, es que no tienen una voz principal, sino que los cinco integrantes cantan. Y lo que los diferencia más aún es que todos cantan bien.
No es casualidad. La banda se forma en 2005, luego de que por varios años (2000-2004) participaran en los grupos Camorra, Sarandonga Porteña, Rústicos Mutantes y Los Balbis, y como coristas invitados de Bersuit Vergarabat, La Vela Puerca, No Te Va Gustar, Árbol y La Tabaré. Finalmente, en 2007 editaron su disco debut “¿Quién te corre?”, en el que recorren varios estilos (rock, ska, candombe, reggae, flamenco) dotándolos de las diferentes texturas que les permite contar con esa heterogeneidad de voces y sonidos, y coronando cada tema con las buenas letras de Leonardo Serignese (voz y bajo). El resto de “Los Señores” son Adrián Mozzo (voz y guitarra), Alejandro Da Silva Farías (voz y guitarra), Nicolás Mestrovich (voz y percusión), y Sergio Arce (voz y guitarra).

Video de “Incomunicados”:

Las consecuencias de un héroe

2010-02-23T15:17:00.000-08:00

Salió “Las Consecuencias”, el nuevo disco de Enrique Bunbury. En esta placa, el ex líder de Héroes del Silencio muestra su lado más oscuro e introspectivo a lo largo de diez canciones.
Con producción del propio Bunbury, el formato acústico es lo que predomina en el disco, utilizando las guitarras eléctricas únicamente para crear climas de forma perfecta. Ejemplos claro son “Los Habitantes”, una de las gemas del disco, y “Es hora de hablar”, tema en el que la música va in crescendo junto a la voz de Bunbury de forma desgarradora.
Otros de los puntos fuertes, como en todo los discos del compositor zaragozano, son las letras, todas de propia composición salvo “Frente a frente” de Manuel Alejandro (de la cuál hace una hermosa versión junto a Miren Iza, la vocalista de Tulsa), acompañadas siempre de la interpretación tan característica de Bunbury.
“Las Consecuencias” es el cierre de la trilogía que se había iniciado con “El tiempo de las cerezas”, “Hellville De Luxe” de por medio, y muestra la constante búsqueda y exploración de estilos que tanto disfruta el músico español, y que, de forma genial, lleva adelante.

Video oficial de "Frente a frente":

Pachanga Dark de Juan y los que ríen

2010-02-19T11:06:00.000-08:00

Juan y los que ríen es una banda que fusiona rock, cumbia, son cubano, reggaetón, reggae y milonga, entre otros, en busca de crear su estilo propio al que llamaron Pachanga Dark, mismo nombre que le dieron a su disco debut.
La fuerza de la banda radica, además de en el buen manejo que tienen de los diferentes ritmos, en la gran pluma de Juan Maiorano, voz y guitarra, que le da la identidad a las canciones con una mezcla de consciencia social (“La muerte viaja por el cielo con su bombita nuclear, mientras acá venden los suelos somos esclavos de su andar”), autorreferencias (“Será que por ser hombre me siento bastardo”), algunos amores (“jugamos juegos despojados del ser, y así nos dimos todo sin pensar porque”) y desamores varios (“El día que te vi llegar ausente frente a mí algo se me rompió y en pedazo de nube se voló”).
Los encargados de hacer que la música esté al nivel de las letras (Los que ríen) son: Alejo Cemente en percusión, Emilio Bascans en batería, Fary Riveros en guitarra y coros, Juan Satorre en teclado y coros, y Daniel Ferradas en bajo.
El resultado es Pachanga Dark, un muy buen disco que sirve como perfecta presentación de la banda, y que generan grandes expectativas para el futuro.

Para escuchar: http://www.myspace.com/juanylosquerien

Tiempo Loco de Juan y los que ríen:

Murió Jerome David Salinger

2010-01-29T15:55:00.000-08:00

Con solo 4 libros editados (el último, hay que remontarse a 1963: "Levantad, carpinteros, la viga del tejado y Seymour: una introducción"), Salinger es uno de esos grandes escritores que con poco lograron mucho. La mayor parte de su vida, la pasó recluido en su casa en New Hampshire escribiendo sin publicar (seguramente, en un tiempo esos textos saldrán a la luz). Alguna vez dijo: "escribo para mí mismo, por placer. Y quiero estar solo para hacerlo".

"El guardián entre el centeno" es una obra maestra en la que logra captar los problemas existenciales de los jóvenes de una manera brillante pero que también sirve como una guía al interior de él mismo. "Si de verdad les interesa lo que voy a contarles, lo primero que querrán saber es dónde nací, cómo fue todo ese rollo de mi infancia, qué hacían mis padres antes de tenerme a mí, y demás puñetas estilo David Copperfield, pero no tengo ganas de contarles nada de eso". Así era.

Para bajar "El guardián entre el centeno" click aquí.

Buena falopa

2010-01-27T11:32:00.000-08:00

“Falopa” es el disco debut de Conjunto Falopa, una banda formada por cuatro guitarras y una voz que, de forma irónica y poética, se meten en el tango, la milonga, las chacareras y los valsecitos para renovarlos.
Y si de ironía se habla, que mejor que tener como líder, voz y compositor a Pablo Marchetti, director de la genial Revista Barcelona, que muestra su prosa inteligente y sarcástica -y también su imaginación- a lo largo de todo el disco, en el que arma una guerra entre Chinos vs Supermercados (“Como arrugaron, cuando los Chinos bajaron, los grandes supermercados que se hacían los pesados, descuentos con la tarjeta, quedaron hecho cajetas cual Lenin con Gorbachov”); en una de las perlas del disco, imagina como sería el mundo si hubiera “Anarquía en la republiqueta” (“A donde había poder, hoy crecen flores llenas de amores, no explotan ya más bombas dentro de la catedral, no existe el mal, hay armonía”); inventa una policía, no mejor sino distinta, en “Yin Yuta” (“Yin Yuta, hippon, mano dura, si estás en problema te tira una soga. Yin Yuta después que reprime se pone a hacer Yoga”); y hasta se anima a revivir a Gardel, “un muerto macanudo que cantaba como el orto” y que labura de DJ, en “Carlitos Zombie”.

Las letras están muy bien acompañadas musicalmente por Federico Marquestó en guitarra, composición, arreglos y dirección musical, Francisco Huici en guitarra, guitarrón y charango, Gustavo Carretino en guitarrón y guitarra, y Juan Spolidoro en guitarra.
Como resultado, “Falopa” es un muy buen disco que mezcla buena música, humor y crítica social en la dosis exacta.

Foto: www.myspace.com/conjuntofalopa
Video: altamiradibujo

Esta Boca es mía

2010-01-22T06:33:00.000-08:00

Joaquín Sabina volvió a la Bombonera con la excusa de la presentación de “Vinagre y rosas”, su último disco, y ante la presencia de unas 40 mil personas brindó un show impecable en el que recorrió gran parte de sus clásicos.
“Tiramisú de limón”, tema que abre el último disco, fue también el tema que abrió el show, seguido por “Viudita de Clicquot”. A pesar de ser la presentación de “Vinagre y rosas”, solo 5 temas formaron parte de la lista. Además de las 2 mencionadas, también pasaron la hermosa “Agua pasada”, “Embustera” y “Cristales de bohemia”.
El resto fueron los clásicos de siempre entre los que se destacaron la gran versión de “Con la frente marchita” dedicada para Roberto Fontanarrosa, Mercedes Sosa, Alfredo Castello, Sandro y Jorge Guinzburg, “Ganas de…”, “Peor para el sol” y “Peces de ciudad”.
Un Sabina inspirado y feliz presentó a todos sus músicos con sus sonetos, se hizo tiempo para festejar el empate transitorio de Boca antes de hacer “Dieguitos y Mafaldas”, y hasta pidió que le den “de una vez la ciudadanía argentina”.
A diferencia de lo que venían haciendo en los últimos shows, en los pequeños intervalos que se tomaba Sabina, los músicos que lo acompañan no hicieron temas propios, sino que tocaron canciones del flaco de Úbeda. El mítico “Pancho” Varona se despachó con una versión rockera de “Donde habita el olvido”, la hermosa voz de la corista Mara Barros cautivó a todo el estadio en “Como un dolor de muelas” y el gran tecladista, Antonio García de Diego, hizo “Amor se llama el juego”.
Mara Barros logró que no se extrañara a Olga Román y volvió a encandilar a todos con su voz en “Y sin embargo te quiero”, la intro para “Y sin embargo” que fue coreada por todo el estadio, y, vestida de prostituta, en “Una canción para la Magdalena”.

A la hora de los bises llegaron “Y nos dieron las diez” y “Noches de boda”, y, cuando parecía que todo había terminado, Sabina volvió a salir para hacer la infaltable “Contigo”, “La del pirata cojo” y el cierre con “Pastillas para no soñar”.
Con un repertorio de casi 30 temas y más de 2 horas y media de show, Sabina se despidió, supuestamente, de los grandes estadios dejando más que conforme a los 40 mil presentes y demostrando que su romance con Argentina sigue intacto y cada vez más fuerte. "Ojalá que volvamos a vernos..."

Lista de temas (no en orden):
1. Tiramisú de limón
2. Viudita de Clicquot
3. Ganas de…
4. Aves de paso
5. Peor para el sol
6. Agua pasada
7. Cristales de bohemia
8. Medias negras
9. Con la frente marchita
10. Como un dolor de muelas
11. Una canción para la Magdalena
12. Dieguitos y Mafaldas
13. Donde habita el olvido
14. Calle melancolía
15. 19 días y 50 noches
16. Por el boulevard de los sueños rotos
17. Princesa
18. Llueve sobre mojado
19. Peces de ciudad
20. Embustera
21. Y sin embargo
22. Amor se llama el juego
23. Noches de boda
24. Y nos dieron las diez
25. Contigo
26. La del pirata cojo
27. Pastillas para no soñar

Video: rocioperujo

“Tiempo al tiempo”, el nuevo tema de Fito Páez

2010-01-20T12:20:00.000-08:00

Desde el lunes, se puede escuchar en las radios el nuevo tema de Fito Páez, “Tiempo al tiempo”, primer corte de lo que será el 15 disco de estudio del rosarino.
“Confiá” es el nombre de la nueva placa que saldrá a la venta el 16 de marzo. Este contiene 12 canciones compuestas íntegramente por él y que fueron grabadas en diferentes lugares escogidos por el músico. La grabación del mismo comenzó en La Cumbre, Córdoba, continuó en Brasil, en Trancoso, San Salvador de Bahía, luego en Río de Janeiro, en los estudios "Nas Nuvens" de Liminha (Los Mutantes), para finalizar en su estudio de grabación Circo Beat de Buenos Aires, con Mariano López como ingeniero de grabación.

Mientras tanto, acá se puede escuchar el tema:

Para no olvidar

2010-01-19T11:45:00.000-08:00

Hay bandas que les bastan solo un par de años y algunos discos para mostrar todo su potencial y convertirse en íconos de una época. Sex Pistols es el ejemplo más claro que con tres años (1975-1978) y un disco (Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols) es, aun hoy, una de las bandas más influyentes de la música a nivel mundial. En el ámbito nacional existen varios ejemplos: Pescado Rabioso (1971-1973, tres discos), Sui Generis (1971-1975 tres discos de estudio, sin contar el editado en su regreso en el 2000) y Sumo (1982-1988, tres discos + uno editado post separación y una reedición del primer demo), entre otras.
Otra banda que tiene esta característica es Los Rodríguez, que con tres discos de estudio en siete años logró convertirse en una de las bandas más importantes del rock nacional.
Los Rodríguez se formó en 1990 con la particularidad de ser una banda sin bajista y con una formación mitad argentina (Andrés Calamaro y Ariel Roth), mitad española (Julián Infante y Germán Vilellas). Daniel Zamora fue el bajista de los últimos años y fue considerado por muchos como el quinto Rodríguez.
En 2002, a casi 6 años de la separación de la banda, se editó “Para no olvidar”, formado por dos discos y un DVD, que recorren toda la historia del grupo. El primer CD tiene 18 temas que ya habían sido editados, y en el segundo hay versiones en vivo de algunas canciones más cuatro inéditas. Además trae un DVD que junta los videoclips (imperdibles “Milonga del marinero y el capitán” y “Salud (dinero y amor)”), algunas versiones en vivo, e imágenes inéditas de lo que fue el año de grabación y gira del disco debut, “Buena Suerte”.
Todo al que le guste la banda disfrutará sin duda este DVD en el que se puede ver una gira de Los Rodríguez por dentro, y que compila tanto imágenes de los shows como los detrás de escena, viajes y charlas, y que el espectador vivirá como un testigo de lujo.
Este es uno de los mejores momentos del DVD en el que se puede ver a la banda junto al músico Antonio Flores jugando con una cámara como niños en “Sol y sombras”:

El fenómeno Avatar

2010-01-16T13:58:00.001-08:00

El primero de enero se estrenó en Argentina Avatar, la nueva película de James Cameron (Terminator 1 y 2, Aliens el regreso, Titanic, entre otras). Avatar, se había estrenado, el 18 de diciembre en Estados Unidos y Europa, y en menos de un mes se convirtió en la segunda película más taquillera detrás de Titanic del mismo director.
Pero, ¿a qué se debe el fenómeno Avatar?.
La trama de la película nos es más que la de una invasión del hombre a otra civilización. Hasta acá nada nuevo.
Esta invasión se lleva a cabo en el planeta Pandora, donde habitan los Na'vi y el motivo es que posee un mineral que podría resolver la crisis energética de la Tierra (cualquier semejanza con hechos reales correrá por vuestra propia imaginación, sino pregúntenle a Evo).
Como el ser humano no puede ingresar en la atmósfera de Pandora, crean versiones Na’vi de si mismos: Los Avatares. Esta es el punto verdaderamente original de la película, aunque el fuerte es, sin duda, el 3D.
Cameron crea un mundo con los sorprendente Na’Vi, hermosos paisajes, montañas flotantes y animales de todo tipo que, a través de la tecnología 3D, se convierten en una realidad para el espectador (la persecución del principio de un símil rinoceronte es de una realidad impactante).El argumento y las ideas no aportan nada nuevo, y hasta es bastante previsible la película, pero la utilización del 3D es lo que hace de Avatar una película diferente, ya que no la utiliza solo para impresionar al público, sino que lo que hace es transportarlo a lo que Cameron imagino. Al menos por casi 3 horas, los lleva al mundo Pandora.

Acá está el trailer subtitulado de la película (gracias Emanuel Báez):

Un año sin Sokol

2010-01-13T06:01:00.000-08:00

El 12 de enero de 2009 murió Alejandro “Bocha” Sokol. El ex cantante de Las Pelotas falleció a causa de un paro cardiorrespiratorio en la ciudad de Río Cuarto, Córdoba, mientras estaba en la Terminal de micros.
Sokol formó parte de los inicios de Sumo, en donde fue primero bajista y luego baterista, y que quedó plasmado en Corpiños en la Madrugada, un cassette grabado de forma independiente, del que salieron solo 300 ejemplares. Al mismo tiempo participaba en Sumito, una subbanda de música acústica formada junto a Luca, Diego Arnedo y Roberto Pettinato.
En 1984, tras una gira por Villa Gesell, el Bocha dejó Sumo y tuvo un breve paso por la iglesia mormona.
Luego de la muerte de Luca, a fines de los 80, Sokol, junto con los ex Sumo Germán Daffunchio y Alberto “Superman” Troglio, fundó Las Pelotas, una de las grandes bandas del rock argentino, con la cual editó 9 discos (7 de estudios y 2 en vivo).
En abril de 2008, tras varias peleas y alejamientos, el Bocha dejó definitivamente Las Pelotas. Su última presentación al frente de la banda fue en el Quilmes Rock de ese año, en la que vistió camisa y corbata, quizás su última ironía para sus compañeros que le pedían una “actitud seria”. Aunque debajo se podía ver una remera que decía “Simplemente gracias”.
Después de esto, se volcó por completo al proyecto que compartía con su hijo, Ismael, que se llamó El Vuelto S. A. y con la cual se presentó durante el resto de 2008.
Humilde y sin caretas, Sokol siempre demostró que no solo disfrutaba de lo que hacía, sino que realmente lo sentía. Y siempre es triste perder un tipo así.

Video de Las Pelotas haciendo Debede en la última presentación con Sokol:

Foto: Diego Paruelo

La ley (innata) de Extremoduro

2010-01-09T11:09:00.000-08:00

A veces uno deja de escuchar una banda por un tiempo, y a veces, muy pocas últimamente, cuando vuelve a escucharla se entera que tiene disco nuevo, y, solo con eso, es feliz.
En septiembre de 2008, Extremoduro sacó su noveno disco de estudio llamado “La Ley Innata”, pero acá ni noticias, y menos edición.
Este disco es una sinfonía rock (transgresivo) conceptual en la que la banda española demuestra su gran momento, quizás el mejor, tras casi 20 años de carrera, y un poco más de 10 con la formación actual.
El disco está formado por seis canciones, o una sola dividida en seis partes, como se prefiera ver.
La primera funciona muy bien, como su nombre lo indica, como una "Dulce introducción al caos" que se vendrá. Un caos en el que la prosa irónica y contestataria del grandioso Roberto "Robe" Iniesta permanece intacta, y muy bien acompañada por las guitarras tanto de Iniesta como de Iñaki "Uoho" Antón, el bajo de Miguel Colino y la batería de José Ignacio Cantera, con algunos arreglos de violines y vientos que le dan al disco un toque especial.
La canción más destacada es el “Segundo movimiento: Lo de fuera” que sin dudas quedará entre las mejores de la banda. (“Y ahora estoy en guerra contra mi alrededor. No me hace falta ningún motivo; y es que soy maestro de la contradicción y experto de romper lo prohibido”), pero son las 6 en conjunto, y en orden, la mejor manera de escuchar y disfrutar este disco.
La frase en latín de la portada explica el título del álbum: "Est enim ivdices haec non scripta sed nata lex qvam non didicimvs accepimvs legimvs vervm ex natvra ipsa arripivimus havsimvs expressimvs ad qvam non docti sed facti non institvti sed imbvti", atribuida a Cicerón, cuya traducción libre, que aparece en el interior del disco, es: "Existe, de hecho, jueces, una ley no escrita, sino innata, la cual no hemos aprendido, heredado, leído, sino que de la misma naturaleza la hemos agarrado, exprimido, apurado, ley para la que no hemos sido educados, sino hechos; y en la que no hemos sido instruidos, sino empapados".
En la semana de lanzamiento, “La Ley Innata” se convirtió en el disco más vendido de España.
Además, para los que lo quieran y lo puedan conseguir, el año pasado “Robe” editó su primer libro “El viaje íntimo de la locura” que recibió muy buenas críticas.
Acá, el “Segundo movimiento: Lo de fuera”:

EN BUSCA DE UNA NUEVA LEY DE RADIODIFUSIÓN

2009-09-27T19:03:00.000-07:00

“No es cierto que sea un proyecto K”, fue el punto de partida de la exposición de la licenciada en Ciencias de la Comunicación Mariana Baranchuk, quien ofreció una charla sobre el proyecto de Ley de Medios ayer en Taller Escuela Agencia (TEA) en compañía de Gustavo Granero, secretario general de la Federación Argentina de Trabajadores de Prensa (FATPREN).
Además afirmó que si bien se basa en los 21 puntos redactados por la Coalición por una radiodifusión democrática, hubo 1200 aportantes en 24 foros que se realizaron alrededor de todo el país. “Los foros fueron un ejercicio, bastante inédito, de democracia directa”, aseguró.
También comparó los puntos principales del nuevo proyecto de ley con la ley vigente, entre los que destacó la diferencia en los posibles prestadores y en la disminución de la cantidad de licencias otorgadas. “El tema de la multiplicidad de licencias conjuntamente con el tema de quienes pueden ser prestadores hace al eje de la pluralidad, y el tema de la multiplicidad de licencias por sí solo hace al eje de la desmonopolización y de la desconcentración del sistema”, aseveró Baranchuk.Por su parte, Granero se mostró conforme con el proyecto de ley sobre todo con la finalización de “los monopolios que destruyeron miles de puestos de trabajo” y que “eliminaron la diversidad ideológica”. “En Clarín hay videoredactores, que son trabajadores que aparte de hacer la nota, la transcriben para el portal, son usadas para el diario impreso, tienen que mandar el video para TN y por las dudas tiene que hacer un copete por si a Radio Mitre le interesa, ¿cuántos puestos de trabajo se rompen?. Es hipócrita pensar que con esta ley se pierden puestos. Si ya los destruyeron”, sentenció Granero.
En las audiencias públicas que se hicieron con respecto a este tema, Victor Hugo lo expresó mejor que nadie:

EL PODER DE LAS REDES

2009-09-06T20:18:00.000-07:00

El pasado 12 de junio las elecciones presidenciales de Irán desencadenaron en una revuelta social por un supuesto fraude en manos del presidente electo Mahmud Ahmadineyad. Para evitar la rápida divulgación de imágenes que demostraban (y denunciaban) la represión de las fuerzas de seguridad contra los manifestantes, además de censurar a los medios tradicionales, se bloqueó el acceso a YouTube, Facebook, Twitter, y otras redes sociales de Internet, al igual que a diversos servicios de noticias online y la telefonía móvil.
A pesar de todas estas medidas tomadas por el gobierno de turno, fue imposible frenar la circulación de videos que mostraban los hechos de violencia y los testimonios de los protagonistas a través de Internet, y que luego fueron tomados por los medios tradicionales de todo el mundo.
De esta manera, una de las premoniciones que el escritor, economista y tecnólogo David de Ugarte hizo en su libro “El poder de las redes”, se volvió realidad: “Ejemplos no faltan en los últimos años de gobernantes que han pensado que bastaría con controlar los filtros tradicionales (prensa y TV) para condicionar a los ciudadanos asegurándose de que sólo les llegaría la información conveniente. El trasfondo de las nuevas redes informacionales distribuidas les opondría sin embargo a miles de ciudadanos en las calles”
Ugarte considera que el potencial de la blogosfera “reside en que desaparece de hecho la capacidad de filtro: eliminar o filtrar a un nodo o a un conjunto de nodos no frenará el acceso a la información. Al contrario del sistema informativo descentralizado, es imposible “cortar puentes” y controlar la información que llega a los nodos finales mediante el control de unos cuantos emisores”.
Y en este caso, el potencial, tanto de publicación como de consulta, de las redes sociales quedó demostrado.